TONI ERDMANN

Antonio Carlos Egypto

TONI ERDMANN (Toni Erdmann).  Alemanha, 2016.  Direção e roteiro: Maren Ade.  Com Peter Simonischek, Sandra Hüller, Ingrid Bisu, Trystan Pütter, Michael Wittenborn.  162 min.

Há muitas maneiras de encarar a vida, por exemplo, permitindo-se ser tragado pelo trabalho, em nome de uma ambição profissional.  Vive-se um presente estressado, desgastante, em busca de um possível sucesso futuro, ou de simples expectativa ou esperança a respeito dele.  Esse parece ser o caso da personagem Inês (Sandra Hüller), consultora de grande empresa multinacional, sediada em Bucareste, na Romênia.

O pai de Inês, Winfried (Peter Simonischek), tem outra pegada de vida.  Coloca o humor em primeiro plano, faz suas brincadeiras, muitas vezes irritantes, sem se incomodar com isso.  Encarna outro personagem, para provocar as pessoas, para ajudá-las e para se divertir.  É um fanfarrão.  A idade já lhe permite ser mais solto e debochar de coisas que parecem muito sérias, no mundo dos negócios.  Ou ele terá tido sempre tal inclinação, mas agora tem menos a perder.

De qualquer forma, são dois modos muito diferentes de viver que, como seria de se esperar, não podem dar química e tendem à fissura quando não à explosão.  Esse embate entre dois mundos é a matéria-prima da comédia dramática, muito bem conduzida pela diretora e roteirista Maren Ade, “Toni Erdmann”, filme alemão selecionado para a disputa do Oscar de filme estrangeiro e que já faturou muitos prêmios mundo afora, desde que foi lançado em Cannes.

Implodidas as convenções sociais, o questionamento que fica é sobre o que vale realmente a pena fazer da vida e o melhor jeito de tocá-la, o que perpassa toda a narrativa.  Um destaque para a fugacidade da chamada felicidade, que é feita de momentos que algumas vezes passam sem serem percebidos, para só depois serem reconhecidos como tal.  Ou que a gente não permite que aconteçam, talvez por medo do ridículo.

Toni Erdhmann é um personagem criado por Winfried para interagir com a filha de um outro modo, explorando outras possibilidades, uma tentativa bem humorada de enfrentar um impasse.  É daí que vem a comicidade do filme.  Um tipo de humor um tanto estranho, exploratório, que vai incomodar algumas pessoas. Mas que tem a vantagem de possibilitar as muitas surpresas e reviravoltas que a trama apresenta.  E se não chega a levar a muitas gargalhadas, a farsa e a ironia que esse humor carrega produzem risos com frequência. 

Interpretações soberbas do elenco, em especial os protagonistas Peter Simonischek e Sandra Hüller, dão sustentáculo a um trabalho bem estruturado e construído a partir de um roteiro original, inspirado no próprio pai da diretora Maren Ade.  Ela, de fato, concebeu um grande personagem, uma figura bem inusitada e curiosa.  Capaz de encantar alguns, irritar outros, mas que não produz tédio ou indiferença.  Isso, apesar da duração excessiva do filme, de quase três horas.  Não precisava tanto, mas não cansa ou aborrece.  Tem bom ritmo e fluência. 

O final do filme é simples e perfeito.  Coroa de modo muito inteligente o que a trama desenvolveu ao longo de todo esse tempo. 

PAPA FRANCISCO:CONQUISTANDO CORAÇÕES

Antonio Carlos Egypto

PAPA FRANCISCO: CONQUISTANDO CORAÇÕES (Francisco: El Padre Jorge).  Argentina/Espanha, 2015.  Direção: Beda DoCampo Feijóo.  Com Darío Grandinetti, Silvia Abascal, Anabella Agostini, Gabriel Gallicchio, Leonor Manso.  105 min.

O papa Francisco é uma figura pública das mais admiráveis da atualidade.  Por seu despojamento, sua simplicidade ao exercer o poder que tem, pela procura por ouvir, acolher e entender mais do que julgar ou restringir as pessoas e a diversidade humana.  É um homem que pratica o que prega e o faz com humildade.  Sua inserção neste nosso cada vez mais insensato mundo trouxe um sopro de tolerância e liberdade, que há muito se fazia necessário, sobretudo partindo da poderosa Igreja Católica.

Chega a seu quarto ano de papado e ganha uma cinebiografia para celebrá-lo.  O personagem é cativante e merece o apoio que tem recebido dos homens e mulheres de bem, sejam religiosos ou não.  O problema que esse tipo de filme pode trazer é ser chapa-branca e servir apenas à propaganda ou propagação de uma religião.  Ou só falar aos já convertidos.  O título em português: “Papa Francisco: Conquistando Corações” só reforça essa impressão marqueteira.  No entanto, o título original é outra coisa: “Francisco: El Padre Jorge” e corresponde muito melhor ao que é o filme e ao personagem que retrata.

Jorge Bergoglio, o padre Jorge, que se tornou papa, o primeiro da América Latina, é uma pessoa forjada no convívio com as questões sociais de uma região empobrecida.  Sendo um homem de ir às ruas e ao contato com as pessoas, desenvolveu sensibilidade para ir muito além da doutrina e suas regras, o que seu antecessor Bento XVI, Joseph Ratzinger, não demonstrava.  O filme mostra isso e coloca claramente os dois polos, o inovador e o conservador, mas não só não faz qualquer crítica ao papa que renunciou como cita uma fala de Francisco, colocando como corajoso e revolucionário o seu ato surpreendente de renúncia.  Certamente não convinha a crítica direta ou a comparação de estilos.  Seria quase afrontoso fazê-lo, tão gritante é essa diferença.

Da mesma maneira, o filme cita os escândalos da pedofilia na igreja e o do Banco do Vaticano, mas não lida com esses temas.  Do casamento gay nem se fala.  A questão do aborto aparece numa cena do papa, confortando uma fiel, que chorava e se dizia arrependida de ter tirado o feto.  Terrível, mas algo passível de ser acolhido ou perdoado.  A questão é mais complexa e pode dispensar essa culpa toda, mas já há algum avanço aí.

De resto, o filme mostra a evolução do padre Jorge em cenas muito menos convincentes sobre a sua juventude, relações familiares e interesse por eventuais namoradas do que na sua vida adulta de padre, bispo, cardeal de Buenos Aires.  Em parte, porque o ator que faz o jovem padre Jorge, Gabriel Gallicchio, não é muito expressivo no papel, enquanto o grande ator argentino Darío Grandinetti encarna magistralmente o papa Francisco.  Já conhecido do público brasileiro por filmes como “Fale Com Ela” e “Julieta”, ambos de Pedro Almodóvar, ou “Relatos Selvagens”, de Damián Szifron.

A narrativa explora o período que envolve o conclave que elegeu Ratzinger e depois, o que elegeu Bergoglio, por meio do relacionamento do padre Jorge com a jornalista Ana, papel da ótima atriz espanhola Silvia Abascal, cuja parceria com Grandinetti resulta estupenda.

A trama está longe de apresentar uma história simplificada ou adocicada.  Mostra os conflitos, as dificuldades e as questões que envolveram Bergoglio e a ditadura militar argentina, incluindo as denúncias feitas quando o atual papa assumiu.  Explica e defende o papel que ele teve naquela ocasião, junto aos padres jesuítas sequestrados, além de outros atos de solidariedade que, como mostra o filme, parecem não só comuns como definidores da personalidade e da atuação do padre Jorge.

Enfim, é um filme que se vê e se aprecia muito bem e que não entra naquela categoria indesejável de filme religioso de propaganda.  É uma boa produção, dirigida por Beda DoCampo Feijóo, cineasta nascido em Vigo, na Espanha, mas radicado na Argentina desde que era bebê, para onde se mudou sua família.  Baseou-se no romance Pope Francis, Life and Revolution, de Elisabetta Pique, jornalista argentina, nascida em Florença, na Itália, correspondente do jornal La Nación, no Vaticano.

EU NÃO SOU SEU NEGRO

Antonio Carlos Egypto

EU NÃO SOU SEU NEGRO (I Am Not Your Negro).  Estados Unidos, 2016.  Direção: Raoul Peck.  Documentário.  Com participação de Samuel L. Jackson (voz), James Baldwin, Dick Cavett. 95 min.

O escritor James Baldwin (1924-1987) escreveu a seu agente, visando a terminar um livro, Remember This House, que pretendia contar uma parte da história dos Estados Unidos, por meio da morte de três amigos dele, todos que militaram pelos direitos civis ou por um separatismo negro: Medgar Evers (1925-1963), Malcolm X (1925-1965) e Martin Luther King (1928-1968).  Muitos anos depois da morte de Baldwin, o manuscrito veio a inspirar o filme de Raoul Peck “Eu Nâo Sou Seu Negro“. O documentário chega agora aos cinemas com a chancela da indicação ao Oscar em sua categoria.

“Eu  Não Sou Seu Negro” é um filme politicamente forte, muito bem documentado (com trechos de entrevistas televisivas do próprio Baldwin e imagens de arquivo das lutas dos movimentos civis, narradas por Samuel L. Jackson), que mostra como a história dos Estados Unidos é toda impregnada de um racismo atroz, de dar vergonha a qualquer país. Merece ser visto com atenção.

É sempre bom lembrar que o Oscar 2016 foi criticado por sua brancura, injusta para com o talento negro de Hollywood. Deu resultado, este ano há diversos filmes indicados que tratam da questão dos negros e muitos profissionais lembrados. Melhor assim. Entre todos, o que mais se destaca, pela contundência da denúncia e pelas provas cabais de racismo que apresenta, é justamente “Eu Não Sou Seu Negro”.

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Já está em cartaz também MOONLIGHT – SOB A LUZ DO LUAR. Veja a crítica do cinema com recheio.

https://cinemacomrecheio.blogspot.com.br/2017/01/moonlight-sob-luz-do-luar.html

UM HOMEM CHAMADO OVE

Antonio Carlos Egypto

UM HOMEM CHAMADO OVE (En Man Som Heter Ove).  Suécia, 2016.  Direção: Hannes Holm.  Com Rolf Lassgard, Bahar Pars, Ida Engvoll, Filip Berg.  116 min.

Um bom personagem, que fuja dos clichês e estereótipos, que se revele humano e complexo, é meio caminho andado para um bom filme.  Ove é um personagem assim, embora, de início, ele se apresente como um sujeito simplório, pouco inteligente e rígido ao extremo.

Ele se apega a regras que, no fundo, ele mesmo criou como síndico de um condomínio e incomoda todos que por lá circulam, para se assegurar de uma existência pobre, mas segura.  Pobre, no sentido espiritual.  Afinal, estamos na Suécia e a classe média baixa por lá vive bem.  Muito bem atendida em suas necessidades básicas.

Ove chega aos 59 anos já viúvo e agora aposentado contra sua vontade, pouco lhe resta para usufruir da vida.  Pelo menos, é assim que ele encara as coisas: não existiu nada antes de Sonja (sua mulher morta) e nada haverá depois dela.  Com isso, ele se afunda num niilismo pessoal, se afasta de tudo e de todos, de forma mal-humorada e agressiva e, consequentemente, decide se suicidar.  Mas morrer não é nada fácil e suas tentativas costumam ser desastradas.

Existe também a alteridade e mesmo que se desejem negar a existência, os direitos e as necessidades dos outros, eles estão lá e podem se impor, goste-se ou não disso. Quem é o ser humano sem o outro, que pode incomodar, sim, mas também pode ressignificar a sua própria vida?  Que sorte tem o Ove que as pessoas não o abandonem, não porque sejam altruístas, mas porque ele tem algo a dar sempre, apesar das evidências em contrário.

É por aí que o filme avança na humanidade de seu personagem e nos faz refletir sobre o que é a nossa vida.  A partir de situações comezinhas, banais, as coisas se mostram e podem ser descobertas.  Uma história também vai se revelando e, por mais simples e corriqueira que pareça, é emocionalmente forte e marcante.

O filme se baseia no best seller A Man Called Ove, de Fredrik Backman, que eu não conheço, mas percebe-se que o diretor Hannes Holm quis aproveitar as muitas (todas?) situações do romance.  Se é verdade que isso amplia o universo de Ove, por outro lado, dispersa um pouco o interesse.  Muita coisa é dispensável, não acrescenta à temática principal e, se melhor editado, poderia deixar o filme mais enxuto e focado.  No texto escrito, faz mais sentido do que na tela.  Fidelidade excessiva ao romance costuma ser uma armadilha para o cinema.  Aqui há alguma perda, mas “Um Homem Chamado Ove” se sustenta bem no seu clima doce azedo, em que cabem a angústia, o drama, a tragédia do passado e, ao mesmo tempo, muito humor e muita ternura.  O afeto como reparador da rigidez e da intolerância, caminho de descoberta.

Conta-se aqui uma boa história, a partir de um bom personagem.  E isso se faz de uma maneira honesta, limpa.  Não é tão original, mas é muito bom o caminho trilhado pela narrativa.  Rolf Lassgard é ótimo como Ove, sustenta o filme o tempo todo.  Filip Berg, que faz Ove jovem, também dá conta do recado.  E as duas mulheres protagonistas são ótimas: Bahar Pars, que faz a amiga Parvaneh, e Ida Engvoll, a esposa Sonja, têm grande expressividade e beleza.  Acrescentam ao filme uma luminosidade que lhe é essencial.

“Um Homem Chamado Ove” está entre os selecionados para a disputa do Oscar de filme estrangeiro, ou filme de língua não-inglesa.  O que já lhe garante destaque e boa distribuição internacional.  Tem méritos para isso.

COMENTÁRIOS BREVES SOBRE FILMES EM CARTAZ

Antonio Carlos Egypto

 

LION

LION – UMA JORNADA PARA CASA, dirigido por Garth Davis, é um filme que tem uma causa: a das crianças abandonadas.  Parte da história real do indiano Saroo Bierley, que escreveu o romance autobiográfico A Long Way Home sobre suas lembranças da infância na Índia, da perda nas ruas de Calcutá , da sua adoção por um casal de australianos e da sua vida no novo país.  O retorno à sua aldeia natal na Índia se fará aos 25 anos de idade, a partir do aplicativo Google Earth, capaz de achar uma casa perdida nos confins da Índia.  Como se vê, o filme também serve a interesses de propaganda. É daqueles filmes para emocionar, com a participação do ator mirim indiano Sunny Pawar, muito bom, e um elenco que tem Dev Patel (aquele de “Quem Quer Ser um Milionário?”), Nicole Kidman, Rooney Mara e David Wenham. Cinco indicações ao Oscar 2017. 119 min.

JACKIE

JACKIE, o filme estadunidense do já conceituado diretor chileno Pablo Larraín, é uma cinebiografia de Jacqueline Kennedy.  Mostra sua vida na Casa Branca, no período em que ocorrem o assassinato do presidente John Kennedy e suas exéquias.  Não aborda sua vida anterior, nem posterior, ao lado do milionário grego Onassis.  E o interesse do filme não se prende apenas ao fato histórico, já sobejamente conhecido, nem mesmo a quem era a famosa primeira-dama e suas reações.  Pelo menos não só a isso.  Na verdade, o que Larraín quer discutir é a construção da narrativa.  As versões em jogo, a luta de Jackie para marcar, difundir e valorizar a trajetória do presidente e seu legado, em meio a outros interesses e versões que pretendiam minimizar o episódio e suas consequências.  Ela lutou pela sua verdade, sabendo ser tão manipuladora quanto todas as outras, junto à mídia da época e em busca dos símbolos que um sepultamento marcante pode engendrar na mente das pessoas e na história.  Esse é o grande mérito do filme, em tempos de pós-verdade, em que os fatos nem contam mais, um tiro certeiro.  Natalie Portman vive uma Jackie a um tempo contida nos gestos, expressões e falas, mas forte e decidida, no figurino que marcou época.  O elenco tem ainda Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, Billy Crudup e John Hurt. Três indicações ao Oscar 2017.  Duração: 100 min.

MARGUERITE & JULIEN

MARGUERITE & JULIEN: UM AMOR PROIBIDO procura tratar do incesto como um tema universal, essencial, que independe de contexto.  A sua interdição abrange, de fato, todas as culturas, tempo e lugares.  Mas as reações, as punições e os sentimentos variam, evidentemente.  O filme começa afirmando que Marguerite e Julien viveram há muito tempo atrás, sem precisar em que época.  Mas o que se vê, o castelo, a ambientação rural, a locomoção por cavalos, as roupas, etc., remontam, digamos, ao século XIX.  No final, surge a informação de que o casal morreu em 1603.  Um jogo de pebolim, uma máquina fotográfica Rolleiflex e até mesmo um helicóptero que aparecem procuram embaralhar tudo.  Mas não existe essência sem contexto e a brincadeira não faz sentido, no dramalhão em que se converterá a história.  A narrativa se perde na forma, embora o filme seja visualmente bonito, inclusive com algumas soluções visuais atraentes e até um certo maneirismo, dispensável.  A diretora, Valérie Donzelli, exagerou na dose.  O trabalho do casal de protagonistas Anais Demoustier, como Marguerite, e Jérémie Elkaïm, como Julien, não chega a salvar o filme, porque a moldura que os envolve é inconsistente, mesmo sendo uma livre adaptação de um fato que sucedeu.  Belo, sim, mas carente de veracidade.  105 min.

ATÉ O ÚLTIMO HOMEM

ATÉ O ÚLTIMO HOMEM, de Mel Gibson, com Andrew Garfield, Vince Vaughn, Teresa Palmer, Sam Worthington e Hugo Weaving, é um filme de guerra paradoxal.  Conta a história verdadeira de Desmond Doss, um médico jovem que se alista voluntariamente, por patriotismo, para servir na Segunda Guerra Mundial.  Porém, como objetor consciente, se recusa a pegar em armas e matar alguém, mesmo em meio às batalhas em que participa, cuidando dos que se ferem.  Além disso, é vegetariano.  Sobreviveu e acabou condecorado com a Medalha de Honra, por ter salvado muita gente.  O filme tem aquele estilo religioso e moralista que conhecemos de Mel Gibson.  É longo e violento, com requintes sangrentos.  Mostra os japoneses indestrutíveis, perigosos e sem rosto.  Ou seja, sem humanidade.  E, como observou o crítico Celso Sabadin, não tem negros lutando na guerra.  Pode?  No entanto, “Até o Último Homem” tem seus méritos: você entra na batalha, vive a guerra por dentro, como se fosse um soldado ali metido.  As cenas de guerra são espetaculares e mostradas sob diferentes formas.  A filmagem é requintada e realista.  Para quem curte filmes de guerra, um prato cheio. Seis indicações ao Oscar 2017. Duração: 138 min.

A GAROTA DESCONHECIDA

A GAROTA DESCONHECIDA, dos irmãos Jean-Pierre e Luc Dardenne, mais uma vez põe em evidência um dilema moral. Desta vez o de uma jovem médica que não atende a campainha após o expediente e fica sabendo que a pessoa que procurou o consultório morreu. A partir daí o filme vai pouco a pouco moldando as ações movidas pela culpa. É um belo trabalho, mas tem problemas com a verossimilhança e com a solução do caso, que acontece em desacordo com o clima do filme.  Durante os 106 minutos da projeção, não pude evitar de pensar que os badalados irmãos belgas Dardenne já estiveram em melhor forma.  Com Adéle Haenel, Jérémie Renier, Fabrizio Rongione.

A QUALQUER CUSTO

Antonio Carlos Egypto

A QUALQUER CUSTO (Hell or High Water).  Estados Unidos, 2016.  Direção: David Mackenzie.  Com Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster, Gil Birmingham.  103 min.

“A Qualquer Custo” é um filme que produz um diálogo frutífero entre passado e presente, por meio dos gêneros cinematográficos.  É um western sobre roubo de bancos, mesclado a um road movie, com elementos de comicidade.  Põe em convívio valores do novo e do velho Oeste, que estão em rota de colisão.

O mundo mudou, as cidades mudaram, os bancos se modernizaram, os conceitos morais são outros.  Ainda assim, é possível resgatar uma narrativa que traga de volta os elementos essenciais dos gêneros abordados?  Ainda há pequenas vilas que comportam bancos estruturados primitivamente e, portanto, fáceis de serem assaltados, pelo menos se os valores a serem roubados estiverem à disposição nos caixas.  E nessas localidades pode-se contar com a falta de câmeras e o relaxamento dos controles policiais.  No entanto, ainda haveria policiais às vésperas de se aposentar, convivendo com parceiros comanches dispostos, em nome da lei, a uma caçada aos bandidos implacável, como nos velhos tempos.

É verdade que os bancos, por tradicionais e limitados que sejam seus equipamentos, numa cidadezinha do Oeste norte-americano, manipulam as situações tendo em vista seus interesses e se valem de empréstimos parcimoniosos para perpetuar a pobreza, produzir falências e tomar posse de terras.  E que os chamados bandidos podem estar movidos por razões justas, a defesa das terras da família, juntando dinheiro de pequenos assaltos para recuperá-las.  Trata-se do que pode ser entendido, segundo o diretor, por uma criminalidade redentora, ou seja: pessoas boas fazem coisas más por razões nobres.

Por aí se vê que “A Qualquer Custo” é um filme moderno com aparência de velho, incluindo-se uma bela fotografia que remete aos antigos westerns, marcados por suas belas paisagens, por seus ambientes de pequenos espaços e pelos tons bege das suas ruas empoeiradas.  Ele joga com os elementos tradicionais dos gêneros, para produzir uma discussão moral muito atual, nada esquemática, nem maniqueísta.

Um roteiro inteligente costura os elementos da saga dos irmãos texanos Toby (Chris Pine) e Tannar (Ben Foster), juntando grana de pequenos roubos a bancos, com bons propósitos, e o inevitável confronto com a lei, que favorece os poderosos, e que é aplicada pelo delegado Marcus (Jeff Bridges) e seu parceiro indígena Alberto (Gil Birmingham).

O filme dedica um bom espaço aos relacionamentos e ao clima que produz as ações e desenvolve sua narrativa com grande eficiência.  Um filme estadounidense até a medula, que revisita a história, em busca de um produto tradicional renovado, curiosamente foi dirigido por um cineasta britânico, David Mackenzie, com base em roteiro de Taylor Sheridan, também roteirista de “Sicário, Terra de Ninguém”, de 2015.  Um elenco masculino muito afiado, capitaneado pelo veterano Jeff Bridges, garante um bom espetáculo. “ A Qualquer Custo” está indicado ao Oscar 2017 em quatro categorias, incluindo a de melhor filme.