POESIA SEM FIM

Antonio Carlos Egypto

POESIA SEM FIM (Poesia Sin Fin).  Chile, 2016.  Direção e roteiro: Alejandro Jodorowsky.  Com Adan Jodorowsky, Pamela Flores, Brontis Jodorowsky, Leandro Taub, Jeremias Herskovits, Alejandro Jodorowsky.  128 min.

Escolher a poesia como ofício e condição de vida é um ato de coragem.  Também de destemor, de enfrentamento do sistema, talvez revelando um irreal excesso de confiança.  Coisa para se fazer aos 20 anos de idade, enquanto se pode arriscar mais, quem sabe, tudo.

Alejandro Jodorowsky, poeta, escritor, ator e cineasta chileno, nascido em 1929, faz hoje um filme irreverente, transgressor e inventivo sobre essa sua escolha de vida.  Uma reflexão autobiográfica, sem dúvida.  Mas que dispensa de forma quase absoluta o realismo.

Com uma câmera ágil, irriquieta, ele constrói um universo plástico belíssimo, que respira liberdade, sensualidade, autenticidade.  E vai desenrolando sua narrativa de forma fantástica, metafórica, realizando um cinema que é pura magia.  Sedutor para quem se entrega, se deixa levar.

Mais do que os fatos que, de alguma forma, também estão lá, o que vale são as sensações, os sentimentos, a libertação.  O encontro com o que se é e se deseja criar, produzir, realizar, como sentido de vida. 

Quem vê o mundo por uma forma poética, artística, acaba percebendo que precisará contestar muito, transgredir sempre, para chegar a se encontrar e dar sua contribuição à sociedade com aquilo que lhe é natural e precioso. Alejandro Jodorowsky nos conta isso no filme, inovando bastante, quebrando convenções, provocando e nos trazendo muita beleza.  Ou seja, sua forma é o seu conteúdo, é a sua história e a sua luta.  Vista por um homem de 87 anos que se mostra fiel a seus ideais de juventude, desenvolvidos ao longo de toda essa vida.

O relacionamento pai e filho, que remonta aos anos 1940 e 1950, do relato de “Poesia Sem Fim”, é vivido por dois filhos do diretor, Adan e Brontis Jodorowsky.  E o próprio Alejandro participa numa ponta.  Uma família que enfrenta os conflitos pelo caminho da arte e embarca ao lado de um elenco todo dedicado à experimentação poética e visual do cineasta.

Um filme como “Poesia Sem Fim” não busca mercado, não aspira ao sucesso, quer se expressar, se comunicar, sem amarras.  O jeito é buscar apoio financeiro, não nas instituições e mecanismos de financiamento, mas nas pessoas que possam se envolver no projeto.  Foi o que fez Alejandro Jodorowsky.  Com uma larga trajetória que gerou muitos aficcionados, ele se valeu de um milhão de seguidores nas redes sociais, para angariar mais de dez mil contribuições individuais, de modo a viabilizar este novo trabalho.

UM INSTANTE DE AMOR

  

Antonio Carlos Egypto

UM INSTANTE DE AMOR (Mal de Pierres).  França, Bélgica, 2016.  Direção: Nicole Garcia.  Com Marion Cotillard, Louis Garrel, Alex Brendemühl. 120 min.

Distúrbios mentais podem trazer comportamentos extremados, contrastantes e mesmo opostos, na mesma pessoa, como, de um lado, a exacerbação do desejo, de outro, o isolamento, a depressão, ou o binômio agressividade e apatia.  E, ainda, serem recheados de sentimentos persecutórios e a presença de delírios ou alucinações.  Personagens assim costumam ser muito explorados pelos roteiros cinematográficos em filmes de mistério, suspense, fantasia ou terror, mas é menos frequente encontrá-los nas histórias de amor.

A personagem Gabrielle, magnificamente interpretada por Marion Cotillard, em “Um Instante de Amor”, de Nicole Garcia, é uma figura assim, cheia de contrastes e incongruências, com reações que escapam ao seu próprio controle e surpreendem os que com ela convivem.

Os pais dela buscam acalmar seu furor por meio de um casamento arranjado, que vai complicar as coisas, envolvendo um contrato, digamos, alternativo, que colocará em jogo a vida sexual, a questão da gravidez e até mesmo a do aborto. O marido, o pedreiro José, em muito bom desempenho de Alex Brendemühl, entra no jogo, mas mesmo assim sofre consequências inesperadas e doloridas para sua vida.

O destino de Gabrielle acaba sendo um sanatório, que se baseava na cura ou no alívio, proporcionado por águas termais.  A razão desse rumo seriam dores renais, um mal de pedras do título original de Milena Agus, Mal de Pierres, que inspirou “Um Instante de Amor” e que a personagem apresentaria.  Algo como o deslocamento do problema mental para um elemento físico do corpo, este mais possível de admissão e tratamento do que a “loucura”.   Lá, Gabrielle conhece um militar, o tenente André, papel de Louis Garrel, doente em estado terminal.  E dessa relação algo importante surgirá.

O que é objetivo ou subjetivo nessa história acabará sendo a grande questão do filme, uma vez que esses limites estão borrados pelas características da personagem de Gabrielle e de suas circunstâncias.

Uma história de amor inusitada resulta dessa trama e acaba por surpreender o espectador, oferecendo à grande atriz Marion Cotillard uma oportunidade para explorar uma personagem complexa e intrigante.  De Louis Garrel, ao contrário, se exige o minimalismo interpretativo de alguém que já perdeu suas forças, e de Alex Brendemühl, ambiguidade e contenção.  Esse trio de protagonistas é um dos pontos altos do filme.  A personagem Gabrielle e a atriz que lhe dá vida são a razão de ser e sustentáculo de “Um Instante de Amor”.

  

PARIS PODE ESPERAR

Antonio Carlos Egypto

PARIS PODE ESPERAR (Paris Can Wait, EUA, 2016), escrito e dirigido por Eleanor Coppola, esposa de Francis Ford Coppola, é o que se poderia chamar de filme turístico.  Teria sido inspirado por uma viagem curiosa que ela fez. 

A história parte de Cannes, onde Anne (Diane Lane) está com seu marido, o produtor cinematográfico Michael (Alec Baldwin) e ambos devem pegar um voo para voltar a Paris.  Mas como Anne está com problemas no ouvido, o que acaba acontecendo é que ela aceita um convite para viajar de carro até Paris com Jacques (Arnaud Viard), sócio do marido.

Ocorre que nessa viagem nunca chega a vez de Paris.  Eles param em todos os lugares no caminho, desviam da rota, porque, afinal, “Paris Pode Esperar”.  E assim é possível conhecer o interior da França, sua arquitetura, museus, gastronomia.  Enfim, um road-movie em tom de comédia, que funciona como um daqueles filmes turísticos que podem ser encontrados no You Tube, inclusive em 4K, bonitos de ver, mas sem maior consistência narrativa.  Claro que o casal de viajantes acaba por se conhecer, se envolver afetivamente e descobrir coisas novas.  Mas não vai além desse previsível roteiro de filmes de viagem.  92 min.

STEFAN ZWEIG, ADEUS EUROPA

Antonio Carlos Egypto

STEFAN ZWEIG, ADEUS EUROPA.  Alemanha, 2016.  Direção: Maria Schrader.  Com Josef Hader, Barbara Sukowa, Mathias Brandt, Aenne Schwartz. 106 min.

Esta cinebiografia do escritor austríaco Stefan Zweig baseou-se no livro “Morte no Paraíso – A tragédia de Stefan Zweig”, do jornalista brasileiro Alberto Dines.

O filme retrata a vida do escritor e intelectual judeu entre 1936 e 1942, em seu exílio sul-americano no Rio de Janeiro, em Buenos Aires, na Bahia e em Petrópolis, enquanto o nazismo se solidifica na Alemanha e irrompe a Segunda Guerra Mundial.  Zweig alimentava ideias utópicas de uma Europa unida, pacifista e sem fronteiras nacionais, antevendo o que acabaria sendo buscado pela União Europeia, muitas décadas depois, cujos resultados claudicam na atualidade.

O sofrimento do escritor com o que se passava na Europa era minimizado pelo paraíso tropical que descobriu por aqui, mas que não foi suficiente para impedir seu fim trágico.

O filme adota narrativa clássica convencional, mas tem bons atores e é interessante de se ver.  Passou meteoricamente pelos cinemas de São Paulo.  Mas é possível vê-lo pelo sistema de video on demand, na Now, Vivo Play, Google Play e iTunes.

FRANTZ

Antonio Carlos Egypto

FRANTZ (Frantz).  França, 2016. Direção e roteiro: François Ozon.  Com Pierre Niney, Paula Beer, Ernst Stötzner, Marie Gruber, Johann von Bülow, Anton von Lucke, Cyrelle Clair.  113 min.

Alemanha, 1919.  As marcas da Primeira Guerra Mundial, com uma mortandade incrível, são trágicas para as famílias europeias.  Anna (Paula Beer), que vive numa pequena cidade alemã, perdeu seu noivo na guerra, na França.  Ela vai levar flores ao seu túmulo, no cemitério local, regularmente.  Até o dia em que se depara com um jovem francês fazendo o mesmo.  O que significa isso?  Quem é ele, o que está fazendo aqui? 

É bom lembrar que as sequelas do conflito com os franceses alimentam um preconceito contra eles e um desejo de vingança.  A Alemanha se sente humilhada pelo Tratado de Versalhes.  A história pesa, mas Adrien (Pierre Niney) está apenas depositando flores na tumba de Frantz (Anton von Lucke), o soldado alemão que se casaria com Anna se sobrevivesse ao conflito mundial.

Esse é o mote inicial do filme de François Ozon, “Frantz”, e daí vai partir uma incrível história que será tão revolvida a ponto de não restar certeza sobre o que aconteceu, como interpretar e relatar os fatos e se se deve, ou não, procurar uma verdade ali.  Mais: se encontrada essa verdade, ela merece ser revelada?  A quem interessaria saber?

Segundo o próprio diretor, o filme é sobre mentiras, embora também envolva culpa e perdão.  Mentiras que fazem bem, podem até curar feridas.  Destruí-las pode ser arrasador, demolidor.  Mas para alimentá-las também é preciso crer em algo, que pode ser ilusório, embora reconfortante.  Quando entra em cena o envolvimento amoroso, o desejo, a paixão, a realidade se nubla e, afinal, o que é o quê?

O filme se chama “Frantz”, o soldado morto, que só aparece em flash-backs, mas o ponto de vista adotado pelo roteiro é o de Anna.  É a partir do que ela sabe, sente, deseja, e de como ela se move, que a trama acontece e se desenvolve, com nuances de todos os tipos e surpresas que vão emergindo das situações narradas.  Ozon deixa que a nossa imaginação corra solta e tente interpretar o que vê.  As coisas podem ser bem distintas do que a gente pensou.  Ou não.

O diretor optou por um preto e branco luminoso, que dá à trama um realismo que combina perfeitamente com o momento narrado.  Afinal, que imagens temos da Primeira Guerra que não sejam em preto e branco?  É como se caminhássemos naquela pequena cidade e convivêssemos com seus habitantes, em suas roupas austeras, suas casas, bares e cemitério.  Mas há algumas cenas coloridas, que mostram um pouco de felicidade, dão um respiro à situação, fazendo um contraponto dramático mais leve à narrativa.  Podem estar revelando um passado mais afetivo ou, quem sabe, um desejo, fantasia ou imaginação, apenas?

A origem dessa história está numa peça teatral escrita logo após a Primeira Guerra Mundial, por Maurice Rostand, que foi adaptada para o cinema, em Hollywood, em 1931, pelo grande diretor, de origem germânica, Ernst Lubitsch (1892-1947).  Sim, ele mesmo, o grande diretor de comédias sofisticadas que marcaram época.  Só que esse filme dele, “Não Matarás” (Broken Lullaby) é seu único drama e não fez qualquer sucesso, acabou esquecido.  Ozon ampliou a trama de Lubitsch e propôs novos dilemas à protagonista.  A ação se passa antes na Alemanha e o filme é falado em alemão, depois vai à França e passa a ser falado em francês.  Na verdade, as duas línguas se alternam, porque há sempre em cena elementos das duas nações em contato.

O diretor fez uma adaptação livre do filme e conseguiu um resultado nada menos do que brilhante.  Tomou uma história de época e fez um filme que é a cara do século XXI,  com seus questionamentos aos fatos, às interpretações, às narrativas que vingam ou não, ao papel que a mentira pode desempenhar na vida, à própria noção de verdade.

O desempenho do elenco é outro ponto alto do filme.  Atores e atrizes trabalham fora dos clichês, com ambiguidade, sombras e sutilezas nos personagens, o que põe de pé uma história que caminha na corda bamba da realidade e dos sentimentos.  A receita poderia facilmente desandar se algum desempenho entregasse o que está oculto.  Isso não acontece.

François Ozon, na minha opinião, é o mais importante cineasta francês da atualidade.  Seu trabalho tem uma consistência e uma criatividade marcantes e geralmente seus filmes têm muito a dizer, além da beleza visual, curiosamente muito associada às cores, até mesmo nessa produção quase toda em preto e branco.  Vamos apenas lembrar de seus últimos filmes, são todos muito bons: “Uma Nova Amiga”, de 2014, “Jovem e Bela”, de 2013, “Dentro da Casa”, de 2012, “Potiche – Esposa Troféu”, de 2010, “O Refúgio”, de 2009, “Ricky”, de 2008.  Vários deles têm críticas aqui no cinema com recheio.  Quem ainda não conhece esse cineasta não perca mais tempo, vá atrás.  Comece por esse “Frantz”, que é um filme soberbo, talvez o melhor de sua filmografia.

“Frantz” está presente no Festival Varilux de Cinema Francês que, de 07 a 21 de junho de 2017, exibe 19 longas-metragens em 55 cidades brasileiras.  Em seguida, entra em cartaz nos cinemas.

NEVE NEGRA

Antonio Carlos Egypto

NEVE NEGRA (Nieve Negra).  Argentina, 2016.  Direção: Martín Hodara.  Com Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Laia Costa, Federico Luppi.  90 min.

Narrativas que envolvem muitos personagens e diversas subtramas são um convite à dispersão.  Elementos centrais podem perder a força e o tempo consumir a atenção e o interesse do espectador.  Às vezes, é como aquelas pessoas que se perdem em longas explicações, perorações intermináveis, que a gente acaba por não ouvir ou entender mais nada.

Muito diferente é o papo direto e reto.  O jeito econômico de contar uma história ou desenvolver uma ideia.  O thriller argentino “Neve Negra” é um bom exemplar de trama econômica, focada no que interessa, sem dispersões.  Usa o recurso do flash-back progressivo, que vai mostrando em doses homeopáticas o passado dos poucos personagens envolvidos na história, de modo a ir elucidando tudo até o final.

Não é um vai-e-vem no tempo interminável e confuso, como, por exemplo, o que se pode ver em outro filme em cartaz nos cinemas, “Faces de Uma Mulher”, produção francesa, dirigida por Arnaud des Pallières.  E há tantos outros exemplos, atualmente. Não, o filme de Martín Hodara é cheio de mistérios e descobertas surpreendentes, mas tudo faz muito sentido e termina bem amarrado.  Sem deixar fios soltos pelo caminho.

Toca, também, na questão de que a verdade é aquilo em que a gente acredita ou admite que seja, aquilo que ficou estabelecido como tal.  Um segredo bem guardado estabelece o que virá depois.  Ou, quem sabe, segredos em série darão o rumo das coisas.

Como de costume no cinema argentino contemporâneo, vê-se um roteiro bem construído, uma história bem concebida e que vai ao ponto.  Além disso, pode contar com alguns dos maiores atores do momento, como Ricardo Darín e Leonardo Sbaraglia, e o veterano e grande ator, Federico Luppi.  A jovem atriz Laia Costa tem uma interpretação segura e emocionante, ao lado desses cobras.  Mostra desenvoltura.

A trama remexe uma dinâmica familiar apodrecida por tudo o que ficou encoberto, negado, e virou tabu na relação entre os irmãos e deles com os pais.  É bem assustador o que se estabelece a partir daí.  O filme mostra como isso está hoje, quando um dos irmãos, Salvador (Ricardo Darín), vive isolado, caçando na região montanhosa e gelada da Patagônia, e se tornou bem agressivo no contato.  Marcos (Leonardo Sbaraglia), o irmão mais novo, e sua esposa, Laura (Laia Costa), vão ao encontro dele, tentando convencê-lo a vender a propriedade onde ele está há décadas, longe das coisas.  Tarefa quase impossível.  Enquanto isso, a outra irmã, Sabrina (Dolores Fonzi), vive internada, tendo crises de descontrole emocional. Para entender o porquê de tudo isso, “Neve Negra” mergulha no passado desses irmãos e nas relações que se estabeleceram entre eles, na juventude.

A neve da Patagônia, os espaços amplos, vazios, as árvores que ressaltam no branco da paisagem, as tempestades, nevascas castigando o ambiente, são a expressão visual do desarranjo familiar de contornos dramáticos, trágicos, na verdade.  E acabam por determinar o destino daqueles sofridos personagens.

O filme tem grande fluência e a narrativa prende de tal modo que seus já econômicos 90 minutos passam tão rápido, que mal dá para perceber.  Quando a projeção terminou, a minha sensação era de que “Neve Negra” tinha uma duração muito curta.  Só ao consultar o relógio, percebi que o tempo era padrão, o mais utilizado pela sétima arte desde sempre.  Grande mérito para o trabalho do diretor Martín Hodara e seu elenco admirável e de grande eficiência nos desempenhos.  A gente entra no clima facilmente e usufrui de um belo espetáculo cinematográfico.  Não surpreende o sucesso que o filme vem fazendo na Argentina, onde foi a produção mais vista nos cinemas em 2017, até aqui.