HISTÓRIA DO CINEMA EM LIVRO

Antonio Carlos Egypto

O cinema é uma das invenções mais fascinantes da humanidade.  E sua história, que remonta ao final do século XIX, é muito rica em criação, descoberta, estabelecimento de uma linguagem, estilos, gêneros, escolas e movimentos.  E na evolução tecnológica, que nunca parou.  Para dar conta da história do cinema, foram escritas algumas obras enciclopédicas, que os estudiosos têm de conhecer e consultar.  Mas, num mundo e numa época em que tudo tem de ser rápido, todos têm pressa e ninguém parece ter tempo, é muito bem-vindo um trabalho que, de modo sintético, consegue dar conta dessa bela e emocionante história.

Trata-se do livro recém-lançado “A História do Cinema Para Quem Tem Pressa (dos irmãos Lumière ao século XXI em 200 páginas) “, do crítico de cinema, e meu amigo, Celso Sabadin.  Ele escreve de forma simples e direta sobre tudo o que foi, e é, importante na história do cinema, com muito talento e objetividade.  Com um admirável poder de síntese.  Não se perde em divagações, detalhes secundários ou meras curiosidades.  Lida com o essencial do assunto e, o que é muito importante, de forma crítica.  Contextualiza os fatos e situações, sem perder de vista os ambientes político e e econômico os envolvem.  Deixa, assim, as coisas muito mais claras e compreensíveis.  Qualquer pessoa que goste de cinema vai apreciar e se sentirá melhor informada sobre a chamada sétima arte.

O livro cobre da pré-história das imagens em movimento às cinematografias atuais da Índia, Nigéria, China, Japão, Irã, Dinamarca, Coreia do Sul.  Com destaque para o cinema norte-americano, sua ascensão, crises e declínio, o expressionismo alemão, o impressionismo, o realismo poético e a nouvelle vague franceses, o neorrealismo italiano, a Rússia e o realismo soviético e, é claro, a história do cinema brasileiro.  Debruça-se sobre as relações entre as duas grandes guerras mundiais e o cinema.  Enfim, traça um panorama bastante amplo e completo do seu apaixonado objeto de estudo.

Como consegue tudo isso em meras duzentas páginas, que podem ser lidas em pouco tempo?  Não é uma tarefa fácil, mas Celso Sabadin consegue um ótimo produto, porque fala daquilo que conhece bem.  E quando a gente domina um assunto, tendo habilidade na escrita, dá para explicar as coisas muito bem, de forma clara e em poucas palavras.  Esse é o grande mérito de “A História do Cinema Para Quem Tem Pressa”, da editora Valentina.  Esse mote para quem tem pressa não é exclusivo do livro do Celso Sabadin, faz parte de uma coleção de história que aborda outros assuntos dessa forma sintética e panorâmica.  No caso da história do cinema, o resultado é altamente sedutor e esbanja competência.

REI

Antonio Carlos Egypto

REI (Rey).  Chile/França, 2017.  Direção: Niles Atallah.  Com Rodrigo Lisboa, Claudio Riveros.  90 min.

Quem tem o hábito de ver muitos filmes, tem hora que se cansa da repetição de temas, de personagens e, principalmente, da forma de tratá-los.  Além de encontrar com frequência os mesmos atores e atrizes em papéis principais, sobretudo na produção de países dominantes no cinema, como Estados Unidos e França.  As narrativas clássicas, que contam uma história com começo, meio e fim, nessa ordem, com finais felizes, estão em baixa.  No entanto, recursos como ir e voltar no tempo ou misturar o real com o imaginado, sonhado ou desejado, não chegam a alterar muita coisa.  A forma como os conflitos são resolvidos, correndo contra o tempo até o último minuto, já se tornou algo insuportável.  Finais muito abertos e indefinidos nem sempre acrescentam algo ao espectador, além de confundi-lo.  E por aí vai.

Há grandes talentos de cineastas que, usando a narrativa clássica, aliada à criatividade no uso das câmeras, no modo de filmar, produzem grandes obras.  Em todo caso, é bom buscar novidades e estar aberto a provocações.  Nem tudo o que é novo é bom, é claro, mas não custa conferir.

Tudo isso a propósito de um filme experimental que chegou aos cinemas e que merece atenção.  “Rei”, de Niles Atallah, tem uma narrativa fragmentada, como a história que ele conta.  Aborda um personagem francês, um aventureiro, que em 1860 partiu para a região de Araucanía, no sul do Chile, com a intenção de formar um reino e dele se tornar rei.  Supostamente, com o aval do chefe indígena da região.  Ao chegar lá, com a ajuda de um guia, descobre que esse chefe está morto e fica difícil justificar sua viagem diante do governo chileno, que o prende e o acusa de usurpação indevida de território e traição ao país, ainda que a região pretendida pelo aventureiro fosse inóspita e estivesse nas mãos dos indígenas.  Teriam eles o direito de sagrá-lo rei de Araucanía e Patagônia?

É uma história estranha, misto de realidade, fantasia, delírio.  Uma coisa de sonhos, memórias perdidas, fantasmagorias.  Registros precários e lendas sobre um estranho rei: Orélier-Antoine de Tounens. 

Para penetrar nessa curiosa e inusitada trama, em que faltariam muitos pedaços, o diretor de “Rei” se utiliza de sofisticadas filmagens, produzidas como filmes antigos, cheios de bolas, borrões, riscos, imperfeições na tela.  Inclui fragmentos de filmes realmente existentes?  Talvez.  Mas não importa.  Cria-se um mundo ilusório de pesquisa imagética, com referências a um passado remoto, anterior à criação do cinema.  E filma-se, também, o que seria a reconstrução da saga do viajante francês em encenações atuais, com boa qualidade de imagens.

O suposto julgamento pelo governo chileno é encenado com os personagens cobertos por máscaras grossas, o que impede qualquer representação realista dos supostos fatos.  Descaracteriza a representação cênica dos atores, que fica resumida a bonecos falantes.

O filme alterna esses fragmentos narrativos e as diferentes formas filmadas, sem pretender chegar a contar uma saga coerente ou completa.  Mas reconstrói, ao menos parcialmente, a lenda e vai além da simples loucura ou delírio extravagante, para se perguntar: o que há de relevante e coerente em tudo isso?  O que significa uma figura como essa, que ocupa a cena, quando já estaria desaparecendo de qualquer registro ou memória, se não fosse resgatada em um filme?  Esse resgate é importante? Por quê?

Enfim, não se trata de uma busca de respostas.  Mas, sim, de um exercício de investigação e recuperação da memória e dos sonhos, matéria prima do humano e do coletivo. “Rei” foi vencedor do prêmio de melhor filme no Festival de Cinema Latino-Americano de Toulouse, França, em 2017.

CINEMA DA HUNGRIA E DE HONG KONG

Já estão acontecendo duas mostras de cinema na cidade de São Paulo que merecem atenção. A Cinemateca Brasileira apresenta até o dia 1º. de julho, com entrada franca, “Dias de Cinema Húngaro”, com 12 longas dessa produção europeia de qualidade, que nos deu recentemente dois títulos importantes: “O Filho de Saul”, de László Nemes (2015) e “Corpo e Alma”, de Ildiko Enyedi (2017).

No Centro Cultural Banco do Brasil está a mostra “O Ineditismo e a Pluralidade do Cinema de Hong Kong”, que traz, até 16 de julho, 23 longas-metragens da produção ampla e variada de Hong Kong.

O AMANTE DUPLO

Tatiana Babadobulos

O AMANTE DUPLO.  França, Alemanha e Bélgica, 2017.  Direção e roteiro: François Ozon. Com Marine Vacth, Jerémie Renier, Jacqueline Bisset. 119 min.

Somatizar dores, resposta inconsciente do organismo, é bastante comum e, muitas vezes, pode ser resolvido com sessões de psicoterapia. Assim, descobrindo a raiz do problema, fica mais fácil de fazer a dor passar.

Em "O Amante Duplo" ("L'Amant Double"), a jovem Chloé (Marina Vacht, de "Jovem e Bela") vai procurar um psicanalista porque sente dores no ventre. A recomendação foi feita depois de ela passar por exames ginecológicos. No consultório, quem a atende é Paul Meyer (Jérémie Renier, que viveu Pierre Bergé, em "Saint Laurent"), um jovem profissional que está disposto a descobrir, junto com ela, o que causa o tal desconforto.

Porém, o que também não é incomum, com o andar das sessões de terapia, eles acabam se apaixonando. Diante da situação, Paul deixa de atendê-la e pede que ela procure outro profissional para seguir com o tratamento

O longa-metragem, dirigido e escrito pelo francês François Ozon ("Potiche: Esposa Troféu"), começa com cenas bastante realistas, com situações comuns do dia a dia, além de imagens ousadas, com cenas de sexo e quando Chloé faz ultrassom e exame ginecológico.

A paixão dos dois, paciente e terapeuta, também é comum. No entanto, depois que ela começa a frequentar a nova terapia, feita, aliás, de maneira bastante controversa, o filme começa, digamos, a desandar.

Chloé conhece Louis Delord, que seria o irmão gêmeo de Paul, embora ele nunca tenha falado sobre isso com ela. As fantasias vão aumentando a cada sessão e as mentiras também. A duplicidade não está presente apenas na figura dos homens na tela (os irmãos gêmeos). A própria Chloé tem um quê de ambiguidade no seu comportamento, retratada pelo autor com um jogo de espelhos sem fim. Fica bastante claro quando ela chega a um dos consultórios e a imagem mostra ela multiplicada diversas vezes.

Esta é a terceira vez que o diretor trabalha com Renier. Os outros filmes são “Criminal Lovers” e “Potiche: Esposa Troféu”.

Ozon repete a fórmula usada em “Dentro de Casa”, filme no qual o espectador se confunde e não sabe exatamente o que faz parte da trama e o que é fantasia.

Como um perfeito realizador e autor francês, François Ozon segue pela linha do final sem fim certo, ou seja, um desfecho que não é taxativo e deixa o espectador pensar e viver o seu próprio fim. Daí, gostar ou não do método adotado por ele, depende de cada um.

Com estreia apontada para o dia 21 de junho, o longa foi um dos escolhidos para o Festival Varilux de Cinema Francês, além de ter participado da competição oficial do Festival de Cannes 2017.

AS BOAS MANEIRAS

  Antonio Carlos Egypto

AS BOAS MANEIRAS.  Brasil, 2017.  Direção: Juliana Rojas e Marco Dutra.  Com Isabél Zuaa, Marjorie Estiano, Cida Moreira, Miguel Lobo.  135 min.

“As Boas Maneiras”, direção conjunta de Juliana Rojas e Marco Dutra, repete a dupla que fez “Trabalhar Cansa”, em 2011, que comentamos aqui no Cinema com Recheio, na época do lançamento.  Assim como os trabalhos de Juliana em “Sinfonia da Necrópole”, em 2014 e de Marco  em “O Silêncio do Céu”, em 2015. 

Aqui se repete a tendência daquele primeiro trabalho deles, em que o realismo e as questões sociais são apresentados no desenvolvimento da história dos personagens.  Porém, estranhezas vão tomando corpo e acabam nos levando ao terreno do fantástico e do terror.  Lá como cá, o fantástico acaba dominando, é claro, mas não se perde nunca o pé da realidade brasileira e seus conflitos sociais permanentes.  Mostra que é possível fabular e mergulhar na fantasia e no horror sem perder a noção de quem se é ou de que lugar se ocupa na pirâmide social.

Duas mulheres representam esse universo social: a enfermeira Clara, que vive na periferia,  papel de Isabél Zuaa.  Por conflito com seus patrões, acaba sem ter onde morar, mas consegue um novo trabalho na casa de Ana (Marjorie Estiano).  Ana, de classe alta, está grávida, mas é uma mulher solitária.  Não convive com marido, pai, mãe, irmãos ou qualquer  outro parente, por alguma razão misteriosa.  Contrata Clara para cuidar dela, fazer-lhe companhia e vir a ser a babá do bebê que está para nascer.  Quem ela está gerando é a surpresa e a explicação para o drama de horror que se desenvolverá.  E tomará proporções gigantescas nas noites de lua cheia.

Não é só de drama realista e de fantástico e horror que se trata.  Há também humor, suspense e a questão da sexualidade feminina na trama.  “As Boas Maneiras” é um filme que transita pelos diversos gêneros e temas com desenvoltura.

Conta com uma equipe talentosa na sua produção.  Basta citar a montagem de Caetano Gotardo, o diretor do ótimo “O Que se Move”, de 2013, também já comentado por aqui.  E o diretor de fotografia, o português Rui Poças, que fez excelentes trabalhos em filmes como “Tabu”, de Miguel Gomes, em 2012, e “O Ornitólogo”, de João Pedro Rodrigues, em 2016.

O destaque interpretativo vai para Isabél Zuaa, atriz nascida em Lisboa, de mãe angolana e pai da Guiné Bissau, que já havia feito “Joaquim”, de Marcelo Gomes, lançado em 2017.  Mas todo o elenco está muito bem, também.

“As Boas Maneiras” foi premiado com o Leopardo de Prata no Festival de Locarno, no Festival do Rio 2017 e em vários outros, pelo mundo.  É o reconhecimento de um trabalho singular e criativo.

ANNA KARENINA

Antonio Carlos Egypto

ANNA KARENINA – A HISTÓRIA DE VRONSKY (Anna Karenina/Vronsky).  Rússia, 2017.  Direção: Karen Shakhnazarov.  Com Elizaveta Boyarskaya, Maksim Matveyev, Vitaly Kishchenko, Viktoriya Isakova.  138 min.

Anna Karenina, o romance de Liev Tolstói, se prestou a várias adaptações cinematográficas de sucesso e a produções bem cuidades, caprichadas.  A forte personagem feminina que encara o seu desejo, enfrenta os homens que ama ou que a amam e recebe a reprovação da sociedade, levando a um destino trágico, é muito atraente e sempre deu margem a reflexões sobre a questão de gênero, nas várias épocas em que foi encenada.

Grandes atrizes viveram a personagem, começando por ninguém menos do que Greta Garbo, em filme de Clarence Brown, de 1935.  A também grande Vivian Leigh viveu Anna, no filme de 1948, dirigido por Julien Duvivier.  Jacqueline Bisset também foi Anna Karenina em filme de Simon Langton, de 1985. Em tempos mais recentes, Sophie Marceau encarnou-a, no filme dirigido por Bernard Rose, em 1997, e Keira Knightley, no filme de Joe Wright, em 2013. 

Uma nova versão vem da Rússia, dirigida por Karen Shakhnazarov, o cineasta que fez “Tigre Branco”, em  2012, um espetáculo de suspense e guerra, com cenas muito bem construídas, de grande impacto cinematográfico.  Com um talento para esse tipo de sequências, o drama intimista de Anna Karenina não ofereceria grandes oportunidades para a exploração de cenas em campo aberto, vistosas, como ele sabe fazer.  Shakhnazarov inovou, fundindo a história de Tolstói com um outro conto russo, que se passa no acampamento militar/hospital, em plena guerra Rússia-Japão, de 1905: a história de Vronsky.  Ali, dois personagens, seu filho e seu amante, tentam entender a tragédia vivida por Anna Karenina, em meio às providências de guerra, ataques, explosões, e o filme fica com a cara de Shakhnazarov. 

O recurso permite pensar a posteriori sobre o drama, mas acrescenta pouco à situação dramática e até confunde um pouco o entendimento da trama.  Penduricalhos como a da órfã de guerra chinesa, que circula pelo acampamento militar, não se justificam.  Em contrapartida, o filme adquire uma beleza visual admirável.

“Anna Karenina/A História de Vronsky” vale pelas sequências externas, não só da guerra, mas também da corrida de cavalos no Jóquei: brilhante.  O baile é muito bem encenado, com riqueza na direção de arte, figurinos.  Enfim, é uma produção muito bonita e bem cuidada, sob a batuta de um cineasta muito competente, em que pesem as restrições que se possam fazer à sua estruturação dramática.

DE VOLTA À BELA ITÁLIA

Antonio Carlos Egypto

Poder voltar a passear pela Itália, curtir suas cores, odores e sabores tão característicos, partilhar de sua vasta cultura, história e arte e usufruir de paisagens marítimas de tirar o fôlego, de tão belas, foi um grande prazer que me permiti neste mês de maio de 2018.

A Sicília, Sorrento e a Costa Amalfitana apresentam cenários cinematográficos de deixar qualquer um de boca aberta.  Não por acaso, tantos filmes já foram feitos por lá, explorando a beleza singular do lugar.  Quem já não viu as imagens marítimas, as escarpas, os penhascos, os desfiladeiros, as montanhas de pedra com casas, palácios ou fortificações no alto? 

Em 2008, o cineasta alemão Wim Wenders lançou seu filme “Palermo Shooting”, exibido na Mostra Internacional de Cinema naquele ano.  Mais do que a proposta do filme, o que mais me cativou foram as belas imagens da cidade de Palermo, na Sicília.  Fiquei com vontade de ir lá algum dia.  Na programação da Mostra, estava incluído um documentário sobre as filmagens de “Palermo Shooting”.  Achei que seria interessante assisti-lo, por ser mais uma forma de ver mais imagens de Palermo.  Pois bem, para minha surpresa, algo raro se deu.  A sessão ainda estava na vinheta de apresentação da Mostra, quando eu dormi e só acordei quando as luzes se acenderam ao final.  Ou seja, não vi uma única cena do tal documentário, que não seria mais exibido.

  Dez anos depois, acabei indo a Palermo e adorei a cidade, linda, mesmo, de não decepcionar ninguém.  Belíssimas construções, teatros, igrejas, maravilhosos mosaicos na Capela Palatina e na vizinha Monreale e a praia de Mondello.  E me lembrar de “Il Padrino” (O Poderoso Chefão), de Francis Ford Copolla, de 1972, explorado em objetos e roteiros turísticos, filmado na região.  A onipresente Máfia, que não se vê.

Em Catânia, é inevitável lembrar-se do mestre Visconti e “A Terra Treme”, de 1948, clássico do neorrealismo italiano.  A dura vida dos pescadores, a penúria e a exploração a que estavam sujeitos no porto de Catânia e no povoado de Aci Trezza, num momento penoso do pós-guerra.  O que se vê hoje é bem diferente: um porto ativo e movimentado e Aci Trezza como passeio turístico, onde se pode ver o Acicastelo, a praia com pedras de erupção vulcânica no mar, de um passado muito remoto.  Não são mais visíveis a fome e a miséria daqueles tempos, exceto por um pedinte eventual na rua.  Com uma beleza dessas, o turismo deve garantir a economia da região.

Outro trabalho importante do neorrealismo é “Stromboli”, de Roberto Rossellini, que se passa na ilha vulcânica que dá nome ao filme.  No caso, o vulcão é a metáfora da tragédia humana vivida pelos personagens e da força para enfrentá-la, com destaque para Ingrid Bergman, ao lado de um elenco não profissional.  A visita ao vulcão Etna, desde Catânia, me revelou, porém, muitas outras coisas, como a imensidão e a multiplicação da ação vulcânica, sua incrível beleza, surpreendentemente cheia de cores, em contraste com o negro que cobre toda a vegetação.  O material que serve das construções à criação artística.  O vulcão é um mundo à parte, complexo e variado.

A questão social mais grave hoje é a dos imigrantes, africanos e do Oriente Médio, que chegam à costa sul da Itália pela ilha de Lampedusa, como mostram os ótimos filmes “Terra Firme”, de Emanuele Crialese, de 2011, e o documentário “Fogo no Mar”, de Gianfranco Rossi, de 2016.  Mas no meu roteiro esse problema não se apresentou.  A geografia nos separou desse grande drama humano dos nossos dias.

A Sicìlia histórica, que remete a Garibaldi e à unificação da Itália, no século XIX, acabou dando margem para que Luchino Visconti dirigisse uma obra-prima, a partir do romance de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, “O Leopardo”.  A Sicília cheia de charme e beleza é presença constante nos filmes de Giuseppe Tornatore, como “Malena”, de 2000, filmado no centro histórico de Siracusa, a bela Ortígia, “Cinema Paradiso”, de 1988, na região de Palermo, e “Baaría”, de 2009, na cidade de Bagheria.

Siracusa, com o museu e seu sítio arqueológico que nos remonta à Magna Grécia, com o teatro grego, a orelha de Dionísio, o templo de Apolo, é um dos pontos altos da bela ilha mediterrânea da Sicília.  O teatro de marionetes da cidade também me encantou.

Tudo isso se completa na beleza da pequena Taormina que, com seu teatro grego descortina uma paisagem estupenda, e com sua  isola bela,  tão charmosa, exigindo, porém, preparo físico para subir e descer seus mais de 120 degraus para poder acessá-la.

Sorrento, no golfo de Nápoles, tem paisagens marítimas maravilhosas, nos faz lembrar da famosa canção napolitana e é onde o limão siciliano é mais abundante, aparentemente.  E o delicioso  limoncello  dá um sabor especial ao passeio.  De lá se vai à cinematográfica Ilha de Capri.  A Marga logo se lembrou de “Tarde Demais para Esquecer” (An Affair to Remember), de Leo McCarey, de 1957, mais por seu ator preferido, Cary Grant, do que por Capri, acho eu.  Mas aqui, também, a paisagem é exuberante.

Na Costa Amalfitana tem Positano, Amalfi, Maiori, onde ficamos.  Percorrer a costa, baixando pela montanha, é ver uma maravilha após a outra, cinema puro.

Só que o filme de que eu deveria me lembrar em detalhes me escapou e o prejuízo foi certo.  Tive minha carteira roubada no metrô/trem que vai de Nápoles a Pompeia.  Nada que o filme “O Batedor de Carteiras” (Pickpocket), de Robert Bresson, de 1959, já não tivesse ensinado em detalhes, didaticamente até, por meio do personagem Michael refinando sua técnica pelas ruas de Paris.  Quem manda não se cuidar e achar que com você não vai acontecer?

TODOS OS PAULOS DO MUNDO

Antonio Carlos Egypto

TODOS OS PAULOS DO MUNDO.  Brasil, 2017.  Direção: Gustavo Ribeiro e Rodrigo de Oliveira.  Documentário.  80 min.

Paulo José é um dos maiores atores da história do cinema brasileiro.  Sua força interpretativa, aliada a uma voz marcante e a uma versatilidade impressionante, povoam o nosso cinema de grandes personagens e alguns filmes históricos.  É só lembrar de “Macunaíma”, “O Padre e a Moça”, “Todas as Mulheres do Mundo”, “Edu, Coração de Ouro”, “O Homem Nu”, “Os Deus e os Mortos”, “O Rei da Noite”, “Ilha das Flores”.  São incontáveis os trabalhos de Paulo José que marcaram o cinema nacional desde os anos 1960.  São seis décadas de atuação desse nosso carismático ícone.

Não se pode deixar de lado, também, a contribuição de Paulo José para o teatro.  Seu papel como integrante do renovador Teatro de Arena, nos anos 1960, 1970.  E a sua participação ativa na TV, especialmente depois que o Ato Institucional no. 5 aprofundou a opressão da ditadura militar sobre as artes, fechando as portas que tinham sido abertas pelo Cinema Novo e o teatro de resistência do período.  Na TV, pôde fazer alguns trabalhos importantes, que serão sempre lembrados, por terem reunido naqueles tempos artistas de muito gabarito, que não conseguiam se expressar melhor por outros meios.

Pois bem, Paulo José chega aos 80 anos e é muito justo e oportuno que seja homenageado pelo cinema, para quem tanto contribuiu e ainda contribui, mesmo enfrentando há vinte e cinco anos o mal de Parkinson, que acabou por produzir uma perda de voz, ou melhor, uma voz mais fraca e tímida, que se pode ouvir no documentário “Todos os Paulos do Mundo”, de Gustavo Ribeiro e Rodrigo de Oliveira.

Com Fernanda Montenegro (foto de Wallace Barbosa)

O filme costura um vasto material de arquivo de imagens desse trabalho magnífico do ator no cinema e também na TV, com momentos atuais de Paulo José.  E o faz de uma forma poética, estabelecendo um vínculo entre esse legado e o autorretrato verbal do próprio ator.  Paulo José escreve sobre aspectos importantes de sua vida e de sua arte, além de suas reflexões sobre a cultura brasileira e esses textos são interpretados por ele e por seus amigos e parceiros artísticos, como Fernanda Montenegro, Milton Gonçalves, Selton Mello, Helena Ignez, Marieta Severo, Mariana Ximenes, Matheus Nachtergaele, entre outros.  Também vemos em cena suas parcerias com Dina Sfat, Marília Pêra, Joana Fomm, Flávio Migliaccio, José Lewgoy e tanta gente mais.  É uma profusão de talentos que preenche a tela.

Esse formato que acopla textos do próprio ator às suas performances, sem entrevistas de outros, nem avaliações críticas de quem quer que seja, mostra que a arte de Paulo José e seu pensamento falam por si.  A importância do sua obra salta aos olhos, até para aqueles mais jovens que só conhecem seus trabalhos mais recentes, como o de “O Palhaço”, dirigido por Selton Mello, em 2011, ou suas participações na TV.  Quem viveu e acompanhou a trajetória de Paulo José tem no filme um mergulho na história cultural do país, na realidade brasileira com suas mazelas, utopias, tragédias e alegrias.

 Inevitavelmente, uma saudade e um sentido nostálgico aparecerão.  Não porque ontem tenha sido necessariamente melhor do que hoje, mas porque o vivido foi bonito e envolveu muita luta.  Paulo José é uma testemunha de tudo isso, numa trajetória que ele diz que foi mais marcada por fracassos do que por sucessos.  É possível.  Mas o que fica do seu trabalho é tão denso que o que se vê é o dinamismo e a beleza de sua arte.  O resto já se perdeu, ganhou novo significado ou não importa.

PAUSA CINEMATOGRÁFICA

Nas próximas semanas, estarei realizando uma viagem turística que muito me interessa e, por isso, estarei ausente do cinema com recheio.  Volto em meados de junho.  Até lá.

HAFIS & MARA

Antonio Carlos Egypto

HAFIS & MARA (Hafis & Mara).  Suíça, 2017.  Direção: Mano Khalil. Documentário.  88 min.

O documentário “Hafis & Mara” foi o escolhido para a abertura do 7º. Panorama do Cinema Suíço Contemporâneo, que ocorre de 09 a 16 de maio, em São Paulo, no Cinesesc e Centro Cultural do Banco do Brasil, a preços populares.  É uma oportunidade para conferir a produção recente da Suíça em cinema, como já vem acontecendo nos últimos anos, uma iniciativa importante para a difusão e intercâmbio cultural entre a Suíça e o Brasil.

“Hafis & Mara” nos leva a conhecer Hafis Bertschinger, um artista plástico suíço-libanês, de arte abstrata, que não alcançou nem o sucesso nem o reconhecimento que tanto esperava.  Apesar de uma produção copiosa e constante e muitas viagens pelo mundo, trata-se de um tipo de expressão artística que não entusiasmou o público, ao longo dos anos.  E que, no ocaso da vida, deixa um sabor amargo na boca e uma sensação de frustração que abala o criador.

No entanto, Hafis encontrou uma mecenas, na figura de Mara, esposa fiel, incentivadora e compradora das suas obras.  Uma pessoa introvertida, pouco expansiva, cuidadosa com as palavras e que teve condições de bancar uma vida em comum com Hafis, permitindo a ele dedicar-se a essa arte não comercial e lhe dando as condições para viver uma vida nômade, impulsiva e livre, que muitas vezes a magoou ou a atingiu dolorosamente.  Ao cabo de muitos anos, ela relembra nostalgicamente esse caminho e se pergunta se foi feliz.  E conclui que sim, apesar de tudo.

Os conflitos do casal, expressos ou latentes, vão aparecendo nas falas e ações de um e de outro e dos dois juntos.  A velhice, a proximidade da morte (que já aconteceu para ela em 2017) trazem questões filosófico-existenciais inevitáveis.  A vida valeu a pena ser vivida?  E quando parece que basta, como acabar com ela?  Como ressignificar as experiências vividas?  O que fazer com uma vasta produção artística encalhada, a essa altura inútil, que ocupa enormes espaços? 

O filme possibilita um mergulho em duas vidas que se complementaram, imperfeitamente, é verdade, mas que se revelam com muita honestidade diante das câmeras.  Não sem medos, hesitações, e com reduções de dissonância visíveis.  Gente que se pode conhecer por meio de câmeras capazes de ouvir e registrar vivências, sentimentos, sensações.  Ou seja, uma investigação psicológica de pessoas que envelhecem com muitas questões a desvendar, ainda.

Os personagens não são figuras de destaque na sociedade, no mundo da arte, ou que tenham se evidenciado de uma forma clara.  Ao contrário, estiveram à sombra, apesar da batalha pela luz ou por uma escolha circunstancial.  Por amor?

Um documentário que ressalta as personalidades e o relacionamento entre pessoas.   Apenas gente.  É o bastante.

O QUE É A SESSÃO VITRINE

Antonio Carlos Egypto

O cinema brasileiro conta, atualmente, com uma grande produção de filmes, de variados estilos e gêneros.  As comédias, que partem de figuras televisivas bem conhecidas do público e contam com o apoio e divulgação dos veículos da Globo, geralmente alcançam números expressivos de espectadores.  Alguns filmes religiosos, também.  A regra, no entanto, não é essa, para a maioria da produção cinematográfica nacional.  Em especial, para o chamado cinema de autor, que exige reflexão e costuma tirar o espectador da zona de conforto.  Ou para produções inovadoras e calcadas em aspectos relevantes da nossa cultura, muitas vezes realizadas com poucos recursos.

Para esse tipo de cinema, que não toma como base o entretenimento puro e simples, não é fácil encontrar distribuição adequada que lhe permita atingir seu público.  Sabemos como filmes importantes, ou que mereciam ser conhecidos, passam meteoricamente pelos cinemas, sem tempo para serem descobertos pelo público a que se destinam ou pelo público em geral.  Uma semana em cartaz, com poucas cópias, em poucas salas, em poucos horários, com divulgação precária, e o produto se perde no esquecimento.  Acresça-se a tudo isso o preço alto do ingresso nos cinemas e as coisas se complicam ainda mais.

Há uma luz no fim desse túnel e que tem iluminado essa produção cinematográfica nacional com sucesso, aproximando realizadores e plateia do cinema brasileiro.  É a sessão Vitrine, com apoio da Petrobrás. A sessão Vitrine está pondo em cartaz, atualmente, em mais de vinte cidades brasileiras, todos os meses, um novo filme nacional independente, que permanece nas salas do projeto Vitrine por duas semanas, com ingressos a R$12,00 (doze reais) a inteira, incluindo sessões com debate e a presença dos realizadores: diretores, atores, atrizes, etc..

Na cidade de São Paulo, o cine Belas Artes, o Itaú Augusta, o Cinearte, do Conjunto Nacional, e o Cinesystem Morumbi já participavam do projeto.  Agora, as salas do PlayArte Marabá, no centro de São Paulo, e PlayArte Metrópole, em São Bernardo do Campo, também se associaram.

Em 2018, a sessão Vitrine estará em Aracaju, Belém, Belo Horizonte, Brasília, Curitiba, Fortaleza, Goiânia, João Pessoa, Londrina, Maceió, Manaus, Niterói, Palmas, Porto Alegre, Recife, Rio Branco, Rio de Janeiro, Salvador, Santos, São Paulo, Teresina e Vitória. 

Desde 2011, a sessão Vitrine já teve mais de 100 mil espectadores, nos 17 filmes lançados em aproximadamente 28 cidades e 32 cinemas do Brasil, com títulos como “O Som ao Redor”, “Hoje Eu Quero Voltar Sozinho”, “As Duas Irenes”, “Pela Janela”, “Divinas Divas”, “Jonas e o Circo sem Lona”, “Torquato Neto: Todas as Horas do Fim”, “Martírio”, “Severina”, entre muitos outros.  Em maio, será lançado o documentário “Todos os Paulos do Mundo”, sobre Paulo José, um dos maiores atores do nosso cinema, que completa 80 anos de vida.  O filme é dirigido por Rodrigo de Oliveira e Gustavo Ribeiro.

O projeto Vitrine tem garantido uma boa divulgação dos filmes lançados, e o faz em escala nacional, atingindo praticamente todas as capitais e algumas cidades grandes, Brasil afora.  Vale a pena ficar atento a esse projeto, que já há bons anos tem contribuído para que o melhor do cinema brasileiro chegue ao público, que merece conhecê-lo mais, pagando pouco por isso.  E estimulando a frequência às salas de cinema, o lugar mágico em que as pessoas riem e choram juntas, se encontram, trocam ideias, dão dicas umas às outras e revitalizam a sétima arte.