O CIRCO + UM SAMURAI

  Antonio Carlos Egypto

 

O CIRCO VOLTOU.  Brasil, 2021.  Direção: Paulo Caldas.  Roteiro de Paulo Caldas, Bárbara Cunha e trabalho de pesquisa de João Paulo Soares.  Documentário.  86 min.

 

Quem é que não gosta de circo?  A arte do circo, com seu apelo popular, faz, por meio do palhaço, a alegria das crianças de todos os tempos e lugares.  Mas e os trapezistas, equilibristas, comedores de fogo e os motociclistas do globo da morte?  Uma sensação.  Já houve tempo em que os animais ferozes eram uma outra grande atração.  Não pode mais, a não ser um homem vestido de macaco, por exemplo.  Seja como for, o circo é um encanto, mambembe ou requintado, é um encanto.

 

O documentário “O Circo Voltou”, do cineasta Paulo Caldas, de grandes filmes, como “Baile Perfumado” (1997), “Deserto Feliz” (2007), “Flores do Cárcere” (2019), ou como roteirista de “Cinema, Aspirinas e Urubus” (2005), é uma homenagem a um dos grandes mestres circenses, Zé Wilson.  Com o circo Spadoni percorrendo o Brasil, em várias épocas, e com a Escola de Circo Picadeiro em São Paulo, responsável pela preparação de novos talentos para a arte circense nos dias de hoje.  Ainda que muitos deles só consigam se apresentar nos intervalos dos semáforos da cidade.  Deixando-nos embasbacados, aliás.  Equilibrismo de precisão, com amplo domínio do tempo, incluindo a coleta das contribuições num sinal demorado, foi o que eu vi ainda esta semana em Sampa.

 

“O Circo Voltou” começa muito bem, com imagens quadradas no meio da tela, em preto e branco, magnificamente filmadas, que evocam o passado, a história e a memória.  Quando a tela abre e se torna colorida, vamos ingressar em um road movie, que acompanhará José Wilson e seu grupo circense e familiar por vários cantos do Brasil, retomando o circo Spadoni, sua tradição e brilho.  Seu filho, Pedrinho, que fará essa viagem pela primeira vez e se destacará como o palhaço mais novo do circo, servirá então de narrador da experiência.

 

O circo Spadoni percorre o Brasil por terra, de Furquin, nas Minas Gerais, passando pela comunidade quilombola de Cruzeiro, na Bahia, indo a uma aldeia indígena, em Palmeira dos Índios, em Alagoas, até chegar a Major Isidoro, no sertão de Alagoas, terra de origem do mestre Zé Wilson e jornada emocional da viagem.  E o circo se mostra comunicativo e atraente para todos esses diferentes públicos, exibindo a versatilidade dessa arte popular, que é também de resistência cultural, que vive se reinventando.

 

Zé Wilson fala também de sua experiência inovadora com a Escola de Circo, com a parceria que teve com Cacá Rosset no teatro com os espetáculos do Ubu Rei, famosos e de grande sucesso.  Relembra a amizade com Domingos Montagner (1962-2016), morto tão precocemente em acidente, a quem homenageia nas águas do São Francisco.

 

A performance de Pedrinho no circo, que fecha o filme, mostra que não só o circo volta, mas se renova e se prepara para o futuro.  Salve o circo!

 

 

  

Um outro documentário brasileiro que também merece atenção é UM SAMURAI EM SÃO PAULO, que conta a história do sensei Taketu Okuda, numa pequena academia no bairro de Pinheiros, com alunos praticando karatê, sem saber que estavam diante de um dos mestres mais importantes do mundo.  Ele e outros mestres japoneses das lutas marciais espalharam-se pelo mundo para difundir aquilo que mais amavam.

 

O filme foi concebido e dirigido por uma aluna da academia, Débora Mamber Czeresnia, paulista de origem polonesa, judia, neta de sobreviventes do Holocausto que, ao conhecê-lo e praticar sua luta, viu muito em comum na história de Okuda, marcada pela infância no Japão na Segunda Guerra Mundial, e a de seus avós.

 

A arte marcial das mãos vazias do karatê Butoku-kan é mostrada no filme pela figura, pelos movimentos atléticos que se constituem também numa dança meticulosamente realizada e pela resiliência desse homem, que viveu até os 79 anos de idade no Brasil, morreu em 2022 e enfrentou a morte prematura de seu filho, que vinha sendo preparado para sucedê-lo.  Foi um golpe que ele assimilou e seguiu em frente até o fim.  A tríade que baliza os samurais: honra, lealdade e coragem, foi o que norteou a batalha pela vida de Taketu Okuda.  70 min.

 

 

 

 

NOITES ALIENÍGENAS

 

             Antonio Carlos Egypto

 

 

NOITES ALIENÍGENAS. Brasil, 2022.  Direção: Sérgio Carvalho.  Elenco: Gabriel Knoxx, Adanilo Reis, Gleici Damasceno, Chico Diaz, Joana Gatis, Kika Sena.  91 min.

 

O filme brasileiro “Noites Alienígenas” chega aos cinemas com atrativos inegáveis e já bem vitorioso.  É o primeiro longa-metragem produzido no Acre, que chega ao circuito cinematográfico. E vem carregado de prêmios.  Obteve no último Festival de Gramado os prêmios de melhor filme, melhor ator para Gabriel Knoxx, melhor atriz para Joana Gatis, melhor ator coadjuvante para Chico Diaz, menção honrosa para o ator Adanilo Reis e prêmio do Júri da Crítica.

 

A história, situada em Rio Branco, a capital do Acre, é uma adaptação de um livro escrito pelo diretor do filme, Sérgio Carvalho.  Segundo ele próprio, a narrativa privilegiava a questão da dependência de drogas e suas terríveis consequências na vida, sobretudo, dos jovens.  Quando foi adaptá-lo ao cinema, muitos anos depois, a situação havia alcançado um patamar muito mais preocupante.  O avanço do crime organizado e do tráfico de drogas na região amazônica estava produzindo uma devastadora realidade: o grande aumento de mortes de crianças e jovens na cidade de Rio Branco.  O ambiente urbano se assemelhando à situação das periferias das grandes cidades do sul e sudeste.  O filme, com roteiro de Camilo Cavalcante, Rodolfo Milani e Sérgio Carvalho, ganhou uma dimensão social mais grave.

 

Os personagens, marcados por esse contexto de violência, circulam num ambiente que se deteriora e põe em questão não só a floresta como as culturas regionais originárias.  Mas a ancestralidade resiste à contemporaneidade do domínio dessas facções criminosas, que triplicou o assassinato de crianças e jovens no estado do Acre.

 

Os elementos da floresta permeiam toda a narrativa, com símbolos como a grande cobra, que abre o filme.  E elementos fantásticos entram na história, como desejo, expectativa, mistério.  A nave espacial, que é desenhada com requintes artísticos, na casa do veterano traficante é marcante e atraente, como costumam ser os apelos dos extraterrestres.  Enquanto a vida se deteriora, existe uma floresta que nos circunda e um cosmos a ser compreendido e explorado.  Assim, entramos em contato com a realidade do Acre e com suas mazelas, num contexto artístico, poético, o que é bastante interessante.

 

O diretor Sérgio Carvalho, carioca de nascimento e tendo trabalhado também em São Paulo, está radicado no Acre há muitos anos e resolveu trabalhar por lá, colocar o Acre em evidência, no contexto cultural brasileiro.  E o fez competentemente.

 

O elenco premiado que ele formou inclui também figuras fora do Estado, com destaque para o papel do mexicano/brasileiro Chico Diaz, que constrói um traficante humanamente caracterizado, como um comerciante ilegal, para além dos estereótipos de mocinho ou vilão.  Os demais personagens também respiram vida real, são gente que vive e pulsa, fazendo suas escolhas em meio a uma realidade complexa.  Como a mãe que perde o filho, os meninos que buscam a família mafiosa do tráfico, querendo trabalho e dinheiro, enquanto amadurecem para uma vida breve.  É um trabalho que merece ser conhecido e discutido pela realidade que nos apresenta, pela criatividade e pela qualidade artística que tem.

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 Complementando a informação contida no post de 1º. de março de 2023 sobre BOB CUSPE, a exposição continua no Anexo do Cinesesc, e, atendendo ao nosso pedido, o filme volta às telas do Cinesesc, de 30 de março a 02 de abril.  O longa BOB CUSPE – NÓS NÃO GOSTAMOS DE GENTE virá acompanhado do curta DOSSIÊ RÊ BORDOSA, ambos dirigidos no sistema stop motion, por Cesar Cabral, em sessões às 16 e às 18 horas.  No dia 30 haverá uma sessão gratuita às 20:30 h, com a presença do diretor do filme, e da exposição, para um bate-papo após a exibição dos filmes. 

 

 

 

MINHA PERNA, MINHA CLASSE + Tiradentes,SP

Antonio Carlos Egypto

 

 

MINHA PERNA, MINHA CLASSE, a trajetória de Manoel da Conceição, documentário dirigido por Arturo Saboia, produção brasileira lançada em 2023, com 90 minutos de duração, já teve exibições na Cinemateca Brasileira e na Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da USP.  Agora está disponível gratuitamente no Youtube.  Quem teve a ideia do filme foi a produtora executiva do projeto, Cássia Melo.

 

Manoel da Conceição (1935-2021) foi lavrador, camponês, ferreiro, educador, sindicalista, ambientalista, pensador da luta pela igualdade e reforma agrária, líder político maranhense.  Adquiriu importância e significado internacionais, por conta da perseguição brutal e torturas que sofreu durante a ditadura militar (a quem combateu também do exterior) e mesmo antes dela, pelos jagunços, grileiros, proprietários, na luta pela terra no Maranhão.

 

Considerado como subversivo indomável, por sua persistência e resiliência na luta política, apesar de tudo o que sofreu, era daqueles a quem Bertold Brecht designava como companheiros indispensáveis das batalhas sociais e políticas.  Nos anos 1950, se alfabetizou no Movimento de Educação de Base pelo método Paulo Freire, em que se politizou e adquiriu consciência de classe e da exploração e injustiça do latifúndio.

 

A história de Manoel da Conceição é contada nesse documentário linearmente, em termos de tempo, começando por uma passagem da infância, mas logo mostrando sua capacidade de liderança na atuação do movimento sindical rural.  Com os tradicionais depoimentos de quem viveu e acompanhou a vida de Manoel, material de arquivo do vasto período vivido em que ele lutou, encenações muito simples de fatos narrados e uma clara elegia da grande figura, que ele de fato foi, se compõe o quadro de uma existência engajada e complexa. Partiu de uma adesão a uma grande igreja evangélica, da qual se afastou sem perder a crença no divino, passando por um período na China maoísta, pela qual tinha respeito, mas de quem divergia, até a construção do PT (Partido dos Trabalhadores), do qual foi um dos fundadores e um dos primeiros integrantes.

 

O título do documentário é emblemático.  Manoel da Conceição foi alvejado com tiros na perna, numa batida policial ao sindicato rural e levado preso sem qualquer assistência médica ao grave ferimento, que acabou por levar à amputação da perna atingida.  “Minha perna é minha classe”, frase que Manoel da Conceição utilizou, virou lema da luta de classes em várias partes do mundo.  A luta por um mundo melhor que ele pretendia, sem usar de violência, seguiu até o fim da vida, inspirando gerações contra a opressão, que ele sentiu tão de perto, e sempre interpretou coletivamente.  Vale a pena conhecer essa grande figura política, não importando qual seja a sua crença.  Foi um ser humano capaz de impressionar qualquer um.

 

 

A Mostra de Cinema de Tiradentes, Minas Gerais, é um espaço já tradicional e reconhecido para a difusão do cinema brasileiro, de novos autores, experimentações, temáticas que celebram a diversidade e temas audaciosos.  Enfim, um cinema que se arrisca e se renova.  Já aconteceu a 26ª. Mostra, na cidade de Tiradentes, em janeiro de 2023.  Uma seleção de longas e curtas desse evento compõe a 11ª. edição da Mostra Tiradentes em São Paulo.  Ela acontece no Cinesesc, de 23 a 29 de março, apresentando um recorte com 11 longas e 16 curtas, que merecem ser conferidos.  Além disso, haverá o lançamento de livros que refletem os debates acerca do presente e do futuro do nosso cinema, que ocupa um importante lugar na Mostra de Tiradentes em todas as suas edições.  Acesse a programação na web em: mostratiradentessp.com.br

 

SEGUNDO TEMPO

Antonio Carlos Egypto

 

SEGUNDO TEMPO.  Brasil, 2022.  Direção e roteiro: Rubens Rewald.  Elenco: Priscila Steinman, Kauê Telloli, Michael Hanemann, Laura Landauer, Jochen Stern. 107 min.

 

O título “Segundo Tempo” remete a futebol e é como o filme começa, num jogo despretensioso que Carl (Kauê Telloli) disputa como coisa séria e que traz consequências importantes para a trama.  Perdido o primeiro tempo, é da morte do pai que se trata e se desenvolve todo o segundo tempo. Uma busca de Carl e de sua irmã Ana (Priscila Steinman) pela história desconhecida do pai Helmut (Michael Hanemann), imigrante alemão que veio ao Brasil por conta da Segunda Guerra Mundial. 

 

Ele nada dizia para eles do seu passado e a mãe já está morta há muito tempo.  Ficam, então, a dúvida e a busca.  Que se fará, naturalmente, na Alemanha.  O filme se passa em São Paulo, Frankfurt e na pequena cidade de origem de Helmut.  O que eles encontrarão são pedaços, fragmentos, de uma realidade incompleta que eles tentarão compor e dar um sentido inequívoco.  O que é difícil.  Mas importa mais o processo do que o resultado propriamente dito.

 

Nesse processo, o irmão e a irmã se redescobrem, se reconectam de outro modo.  Ele, na busca proativa e direta dos fatos, ela, emergindo de um modelo de comportamento distante, alienado, de modo depressivo.  E tentarão, afinal, cooperar, somar elementos, o que não estava na base desse vínculo fraternal.

 

As personalidades de ambos são muito bem caracterizadas, inclusive em suas imperfeições ou abordando elementos fundantes da ação, como a profissão de Carl e a maneira como ele obtém dinheiro.  A realidade se mostra como tal, sem moralismos ou grandes dramas.  Tudo se passa na banalidade da existência diária, inclusive a viagem, tão pouco planejada e cheia de arestas, que vão desde as vontades e disposições de cada um até as dificuldades de entendimento.  Em uma sequência, Ana conversa com um alemão do tempo de seu pai, conversa que é traduzida por uma alemã para o inglês.  Carl vai saber do que se tratava, por meio de Ana, em português.

 

O casal de irmãos que protagoniza o filme nos passa a sensação de verdade e autenticidade.  São gente real, com sentimentos que se compreendem com clareza, embora não estejam óbvios.

 

O talento do diretor e roteirista brasileiro Rubens Rewald, em seu quarto longa-metragem se evidencia aqui.  Entre seus trabalhos anteriores, “SuperNada”,  de 2013, trazia Jair Rodrigues no elenco.  Já “Jair Rodrigues: Deixa que digam”, de 2020, é um documentário que retrata o grande artista que ele foi.  E são dois filmes muito bons, também.  O cineasta vai, assim, acumulando uma filmografia de respeito.

 

 

OJU Roda Sesc de Cinemas Negros

A segunda edição deste evento que está acontecendo no Cinesesc, em diversas unidades do SESC São Paulo e também na Plataforma Sesc Digital até o dia 16/04/2023, oferece ao público mais de 50 obras atuais de cineastas negros e negras.  Tem muitos filmes inéditos (curtas e longas), como “Diálogos com Ruth de Souza”, de Juliana Vicente, além de filmes consagrados, como “Marte Um” e “Noites Alienígenas”.  Do Yorubá, “Oju” significa “Olho” e o cinema se inicia pelo olhar, sensibilizado pela luz da projeção.

 

TUDO SOB DESCONTROLE

Antonio Carlos Egypto

 

TUDO SOB DESCONTROLE (En Roue Libre).  França, 2022.  Direção: Didier Barcelo.  Elenco: Marina Fois, Benjamin Voisin, Jean-Charles Clichet, Albert Delpy, Jean-Pierre Martins.  88 min.

 

Um road-movie em tom de comédia é o que define “Tudo Sob Descontrole”, dirigido por Didier Barcelo.  Os personagens centrais são Louise (Marina Fois) e Paul (Benjamin Voisin), que se encontram em uma circustância inusitada.  Ela, uma senhora, vivendo uma situação de síndrome do pânico, sem conseguir sair do seu próprio carro por nada.  Sofre uma tentativa de assalto por parte dele, o jovem Paul, e por aí eles vão, surpreendentemente, conviver ao longo do filme, a viver juntos situações estranhas e inesperadas.

 

O filme não é engraçado pelo que gera de figuras e situações que entram na história, mas essencialmente por tratar de temas sérios na base da brincadeira, sem lhes dar a importância devida.  É o caso do que acontece à personagem Louise.  Afinal, síndrome do pânico é uma coisa delicada e dolorida, mas uma mulher madura que não consegue sair do seu carro de forma absoluta, haja o que houver, arrisca tudo.  E tem de resolver muitas questões práticas, como se alimentar, fazer xixi, atender à determinação do guarda de trânsito para descer, esconder-se do próprio ladrão que quer levar seu carro, lidar com uma arma que aparece, etc., etc..

 

Para completar, ao longo da travessia, Paul, que virá a ser o par de Louise na aventura, chega a sequestrar um psiquiatra/psicanalista que deve, em pouco tempo, resolver o trauma dela dentro do carro.  E o pior é que ele até consegue.  Um quase milagre psicanalítico, obtido por uma situação de pressão e risco, ou seja, continua tudo sendo tratado sem cerimônia alguma, como é admissível numa comédia.

 

 Paul, por seu lado, quer se vingar da morte do irmão, indo a um local, com essa intenção, armado.  Mas tudo acontece no meio do caminho e, quando chega lá, ...  Quem assistir, verá.  A vida é sempre mais complicada e talvez mais divertida do que a gente pensa.

 

Os caroneiros da viagem, uma mulher com hipersensibilidade a celulares, um homem velho, que para sempre para mijar, atrasam a travessia que, no final das contas, não tem realmente importância nenhuma.

 

A solução da crise do pânico de Louise chega a ser cantada e, então, previsível, mas é bem bolada.  Enfim, um filme que fala de assuntos sérios com toda a leveza possível, transformando-os em brincadeira, serve bem ao entretenimento.  Até a diferença etária entre os protagonistas não pesa.  Como o restante, não tem importância nenhuma.  Vai pouco além da diferença de gostos musicais e de modos de expressão.  A dupla de ator e atriz, Marina Fois e Benjamin Voisin, segura bem o filme.  Se tentassem ser realmente engraçados, hilários, creio que não funcionaria.  Vão bem como figuras estranhas e improváveis, sem qualquer pretensão maior do que a de questionar a aparente seriedade de todas as coisas.  Que, na verdade, não importa, o acaso supre.  Ou uma ideia maluca que se ponha em prática.  Deixe a vida me levar, como diria Zeca Pagodinho, é um bom lema para “Tudo Sob Descontrole”.

ENTRE MULHERES

 Antonio Carlos Egypto

 

 

ENTRE MULHERES (Women Talking).  Canadá/Estados Unidos, 2022.  Direção: Sarah Polley.  Elenco: Ben Whishaw, Jessie Buckley, Rooney Mara, Claire Foy.  105 min.

 

O filme “Entre Mulheres”, da diretora canadense Sarah Polley (de “Longe Dela”, 2008), que está indicado a dois Oscar, melhor filme e roteiro adaptado, trata de uma história abjeta que aconteceu de fato numa comunidade menonita da Bolívia, em 2005.  Essa contextualização com data, local e detalhes, não está no filme.  Ele é uma adaptação do livro Women Talking, de Miriam Toews, autora que nasceu e viveu numa comunidade menonita do Canadá até os 18 anos de idade. 

 

Os fatos ocorridos não são mostrados ou explicitados, suas consequências é que serão tratadas pelas mulheres da comunidade, após a identificação e confissão de homens da colônia, que reconheceram as agressões sexuais que já há algum tempo aconteciam por lá.  O que o filme mostra, em poucas oportunidades, são os elementos que constituem claros indícios de prova desses estupros e agressões: pijamas rasgados, sangue, dores na cabeça e no corpo, sinais de corpos amarrados e arrastados. 

 

A explicação para esses “mistérios” era atribuída a fantasmas, demônios, ataques espirituais ou à imaginação das mulheres.  Isso foi possível pelas crenças religiosas da localidade, pelos papéis tradicionalíssimos de gênero, pelo patriarcado masculino e a consequente submissão das mulheres, algumas acostumadas a apanhar, sofrer agressões físicas, sem poder reclamar.  Às mulheres não era permitido se alfabetizar.  Quando se rompe a barreira da resposta fantástica/religiosa ao que sucedia às mulheres, aí é que começa o filme.

 

As mulheres reunidas por um período de 48 horas, se não me engano, só com a presença de um homem, um professor, para que se pudesse registrar o ocorrido, têm que decidir o que fazer.  Elas resolvem votar, fazendo um X em desenhos que identificavam três opções: não fazer nada, ficar e lutar ou ir embora da comunidade.

 

O cerne de “Entre Mulheres” é a argumentação que elas vão apresentando ao longo das conversas e seus sentimentos que afloram, em torno da escolha, que deve ser unânime, para que todas a cumpram.  Ocorre que elas estão aprendendo a pensar agora.  A vida que sempre levaram as invisibilizava, sem serem ouvidas, sem qualquer poder e submetidas a uma existência comandada pelos homens, num estilo simples, rejeitando a vida moderna, vinculadas a como viveram seus ancestrais.  Sem ouvir música ou utilizar telefone e, obviamente, sem celular, que hoje estaria disponível.

 

Elas têm de pensar como conciliar essa realidade brutal com a fé e a tradição, o que envolve o possível perdão aos agressores.

 

É bom explicar, embora isso não esteja claro no filme, que essas agressões eram realizadas utilizando um spray veterinário adaptado de um produto químico para anestesiar vacas, borrifado pelas janelas, para poder drogar famílias inteiras durante o sono.  Isso evidencia o quanto essa ação masculina foi planejada e compartilhada, com cumplicidade.

 

Esses fatos acontecidos em pleno século XXI, em 2005, só foram enfrentados em 2009, quando dois homens foram pegos e confessaram os ataques a 130 vítimas.  O julgamento do caso se deu em 2011.  Nada disso também está no filme, que, aliás, não situa o caso na Bolívia, não identifica o local, supostamente o Canadá, em função do livro, mas me pareceu importante contextualizar o assunto, já que esses fatos não são conhecidos, ao menos por aqui. 

 

Aliás, a falta de contexto é uma falha do filme, assim como o timing da discussão das mulheres e sua inserção naquele momento na comunidade, que  não convence no tempo em que isso se daria.  Claro que o que importa é a discussão do assunto, não o realismo da situação, mas a sensação de que algo está faltando é inevitável.

 

Um bom elenco, quase todo feminino, inclui até Frances McDormand, num pequeno papel.  Ela aparece também como uma das produtoras do  filme.  Um assunto abominável, uma vergonha!

 

 

BOB CUSPE

Antonio Carlos Egypto

 

Cesar Cabral e a exposição

Quem curte o trabalho do cartunista Angeli, conhece alguns de seus principais personagens, como o Bob Cuspe, os Skrotinhos, os mini eltonjohns e a finada Rê Bordosa.  E quem curte essa turma certamente também apreciou o premiado longa de animação stop motion, dirigido por Cesar Cabral, “Bob Cuspe, Nós Não Gostamos de Gente”.  Nele, Bob Cuspe tenta se salvar, entrando no mundo mental de seu criador Angeli que, portanto, passa a ser um dos principais personagens do filme.

 

Pois bem, agora é a hora de curtir uma interessantíssima exposição que já está no Anexo 1 do Cinesesc, à rua Augusta, 2063, São Paulo.  A exposição, pensada a partir dos personagens do cartunista e do longa “Bob Cuspe, Nós Não Gostamos de Gente”, é uma instalação que reúne cenários, bonecos, réplica de uma oficina real de construção de bonecos e de um set de filmagem, além de troféus conquistados pelo filme em mostras e festivais e desenhos originais de Angeli.  Destacam-se peças que explicam a minuciosa construção de bonecos, desde o seu esqueleto até a sua “carne”.  Vale a pena ver.

 

Tem mais do que isso, montou-se um set de filmagens, com computador, iluminação e tudo, no segundo andar do Anexo.  O objetivo é apresentar o que é a arte de animação stop motion. E é incrível, vocês têm noção do imenso trabalho de construção envolvido aí?  Se não tiverem,  vão se surpreender, indo à exposição.  Para ter uma ideia , a realização do longa citado levou nada menos do que 5 anos de trabalho intenso de uma equipe.  Cesar Cabral, que apresentou a exposição para a imprensa, disse que um dia de trabalho produtivo da equipe costuma render 2 segundos de filme.  Você não leu errado, é isso mesmo.  Como o filme, lançado em 2001, tem 90 minutos, faça as contas.

Essa exposição, gratuita e aberta ao público, de 14:30 h a 20:30 h, que permanecerá por lá por pelo menos 2 meses, complementa a exposição que lota todas as paredes do foyer do Cinesesc, desde dezembro de 2022.  Visitas, inclusive de grupos e de escolas, podem ser realizadas mediante agendamento.

 

O filme não está no momento em cartaz no Cinesesc, mas, a pedido de membros da imprensa presentes ao encontro de divulgação da exposição, é possível que o cinema produza algumas sessões extras do longa, para quem não teve chance de ver ou gostaria de rever.

 

O Anexo 1 do Cinesesc, talvez muitos não conheçam porque ele começou a abrigar encontros das Mostras Internacionais de Cinema de São Paulo alguns anos antes da pandemia, e agora deve passar a funcionar com maior regularidade.  Está ao lado do cinema, em uma entrada distinta, e pode ser acessado também pelo elevador que se vê no foyer. 

 

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De 02 a 08 de março, o Cinesesc apresenta uma mostra de filmes de Steven Spielberg, o favorito para o Oscar 2023 de diretor, por “Os Fabelmans”.