ATAQUE DOS CÃES

                      Antonio Carlos Egypto

 

 

 ATAQUE DOS CÃES (The Power of the Dog).  Nova Zelândia, 2021.  Direção: Jane Campion.  Elenco: Benedict Cumberbatch, Jesse Plemons, Kristen Durst, Kodi Smit-Mc Phee.  128 min.

 

“Ataque dos Cães”, o novo filme da diretora neozelandesa Jane Campion (de “O Piano”, de 1993, e “Brilho de uma Paixão”, de 2009) remete ao universo do western.  A trama se localiza numa grande fazenda em Montana, em 1925, onde vivem os irmãos Burbank: Phil (Benedict Cumberbatch) e George (Jesse Plemons).  Essa dupla de irmãos é apresentada como formada por figuras opostas.  George é educado, civilizado, respeitador das mulheres, bem apessoado.  Um padrão de masculinidade refinado para o ambiente em que vive.  Phil, ao contrário, segue o padrão do cowboy grosseiro, agressivo, que gosta de viver sujo (embora tome seus banhos na lagoa), corajoso e decidido.  Um tipo de masculinidade projetado como modelo nesse ambiente e que ele remete ao ídolo Bronco Henry, o cowboy que o ensinou a “ser homem”.

 

Quando George se casa sem avisar com Rose (Kristen Durst), uma viúva da localidade que Phil despreza, e a traz para casa com um filho adolescente, Peter (Kodi Smit-Mc Phee), o clima pesa.  Phil radicaliza o seu comportamento, tentando inviabilizar essa vida familiar em comum, humilhando Rose e Peter, este, por seu comportamento encarado como afeminado, construindo flores de papel, por exemplo.

 

Um clima em que a grosseria e as ameaças de Phil sugerem um grande drama pela frente. O que, por um lado, não deixa de acontecer, sobretudo com Rose.  Ela incorpora o problema para si e se refugia na bebida.  Mas Phil se aproxima de Peter e procura fazer o que Bronco Henry teria feito por ele, o ensinar a “ser homem”, a partir de aprender a cavalgar.  Uma virada no rumo das coisas, na expectativa criada.  E não será a única.

 

O filme, baseado no romance de Thomas Savage, também roteirista ao lado de Jane Campion, entra no gênero western, ressignificando suas convenções, virando-o de cabeça para baixo.  Senão, vejamos: embora o ambiente seja hostil, beirando à guerra pessoal ou familiar e podendo incluir os empregados da fazenda, não acontecem brigas, sopapos, tiroteios.  A tensão fica no ar.  Tem até índios, que poderiam ser perigosos inimigos, mas não, eles vão pedir couro cru e acabam sendo atendidos, mesmo que Phil fique possesso por isso. A relação entre os irmãos, apesar de incômoda, não descamba, mesmo nos momentos em que Phil ultrapassa claramente os limites.  E a aproximação entre Phil e Peter trará à tona revelações do passado, que “explicam” essa hostilidade toda cultivada por Phil.

 

A solução da trama passa por caminhos insuspeitos e surpreendentes, que remetem ao convívio com os animais e suas consequências, embora não haja concretamente nenhum ataque de cães, como no título em português. O sentido é poético. Ou o poder do cão, do título original, simbólico.

 

“Ataque dos Cães” explora a questão de gênero por meio de suas nuances, expectativas, construção de personas e impactos no contexto das relações sociais.  A masculinidade é colocada em evidência, até pelo próprio universo do gênero, marcadamente masculino, como um leque de opções bem amplo.  Cabem muitas formas de ser homem, mesmo nesse universo aparentemente limitado e fechado em si mesmo. É que não é assim.  Há espaço para muita coisa aparecer de onde menos se espera.  O ser humano e sua identidade de gênero são coisas complexas e cheias de sutilezas.  O espaço para as mulheres é mais complicado quando o contexto social se estreita, mas elas encontrarão sua força ainda que a resposta passe por mimetizar algum padrão “masculino”, como o dos negócios ou da bebida.

 

O que o filme deixa claro é que não é a força bruta que se impõe, no fim das contas.  Contra todas as aparências, é o planejamento e a inteligência que vencem.  “Ataque dos Cães” é uma produção da Netflix, disponível nesse serviço de streaming.  Eu vi o filme no cinema e apreciei muitíssimo as locações escolhidas, os planos gerais explorados com rara beleza, a amplitude das colinas, a natureza em tons marrons, que dialoga com a narrativa.

 

Quanto ao elenco, muito apropriadamente escolhido, com atuações que exploram bem as características dos personagens centrais e dão força à história.  O filme concorre ao Oscar com boas chances.  E Jane Campion retorna à direção depois de vários anos de ausência, e cada vez melhor. 

BENEDETTA

Antonio Carlos Egypto

 

 

BENEDETTA (Benedetta).  França, 2021.  Direção (e roteiro com David Birke): Paul Verhoeven.  Elenco: Virginie Efira, Charlotte Rampling, Daphne Patakia, Lambert Wilson.  130 min.

 

O diretor holandês Paul Verhoeven sempre curtiu erotismo e violência em tom provocativo, com a intenção de mexer com o estabelecido, sacudir conceitos, valores, estruturas.  “Instinto Selvagem”, de 1992, e “O Quarto Homem”, de 1983, são apenas dois exemplares conhecidos do seu trabalho.  Há coisas bem mais explícitas do período eminentemente contestatório dos hippies, por exemplo.  Pois bem, aos 83 anos de idade, ele continua sendo um jovem iconoclasta.

 

“Benedetta” explicita a hipocrisia da Igreja Católica, seus conventos de freiras e representantes do Vaticano, no período do Renascimento italiano e também Contra-Reforma.  A partir de fatos verdadeiros, ocorridos no século XVII, na cidade de Péscia, na Toscana, no Convento Madre de Deus, relatados no romance da historiadora inglesa Judith C. Brown, “The Life of a Lesbian Nun in Renaissance Italy”.  Freira lésbica?  Vem polêmica por aí, é claro!

 

O lesbianismo da freira Benedetta (Virginie Efira) e sua parceira de convento Bartolomea (Daphne Patakia) é central na trama, mas há muitos outros elementos importantes no caso Benedetta.  Ela fazia milagres, tinha visões, falava com Jesus, que lhe indicava caminhos e previa coisas que viriam a acontecer, incluindo sua própria morte e a erupção de uma peste, amplamente mortal, no estilo da nossa pandemia atual.

 

A palavra de Deus determina atitudes, posicionamentos na escala de poder, promove e destrona figuras que vão do rés do chão ao topo e vice-versa.  Julga, tortura, prende e mata infiéis.  E onde está essa palavra, afinal? 

 

O problema é que tudo isso pode ser uma grande farsa, uma mentira, teatralizada por grandes crises, convulsões, histeria.  Na base de tudo, o sexo reprimido, que explode onde e quando menos se espera.

O que é muito interessante, também, é debater o que há de intencional, consciente, nesta história de uma figura que assume ares de fanatismo, premonição, santidade, engodo e bruxaria.  O que é e onde está a verdade?  Um heroísmo do tipo Joana D’Arc se materializa quando a cidade de Péscia escapa da tal peste destruidora, que ela anteviu e teria sido responsável por sua não expansão à localidade.  Mas o núncio apostólico do Vaticano (Lambert Wilson) e a abadessa irmã Felicità (Charlotte Rampling) serão atingidos.  Evidentemente, isso não é aleatório na trama.  Não significa, porém, que o contexto do bem e do mal esteja claramente traçado.  Longe disso.  A principal provocação está justamente aí.  Não tanto no objeto de estímulo sexual acoplado à imagem de Nossa Senhora, que tem provocado escândalo.  Provocou escândalo?  Difícil escandalizar nos dias de hoje.

 

Algumas pessoas se sentem atingidas em suas crenças por coisas assim, que na verdade questionam, mas não invalidam a crença de ninguém.  Se fosse assim, os inúmeros casos comprovados de pedofilia dos sacerdotes católicos, em várias partes do mundo, já teriam posto abaixo a própria Igreja Católica. Suponho que os evangélicos se incomodem com as fortunas que se ligam a pastores, que não só enriquecem como constroem impérios de poder.  Que espíritas se abalem com Joões de Deus, que além de enriquecer abusam sexualmente de pacientes, abalados por suas doenças.  Esse tipo de desumanidade, crueldade, insensibilidade com os vulneráveis está em toda parte, não só nas religiões.  Infelizmente.

 

Se o cinema de Paul Verhoeven cultiva excessos, é um modo de atacar questões que, estas, sim, escandalizam pela sua simples existência.  Algumas cenas e imagens podem não ser de bom gosto. Têm a intenção de chamar a atenção, de provocar.  Podem não agradar a muitos, mas têm sua função.  Fazem parte do estilo de um diretor já consagrado por uma vasta obra cinematográfica.

 

“Benedetta” é uma realização muito boa.  Mostra uma movimentação de câmera intensa, que acompanha personagens com densidade psicológica.  Explora uma dimensão política importante, num tema histórico, aparentemente distante do nosso tempo.  Virginie Efira brilha como Benedetta, Charlotte Rampling está muito bem como a superiora do convento, capaz de administrar uma justiça que passa pelos interesses financeiros da instituição.  Lambert Wilson, muito bem também, como o núncio que representa a hierarquia eclesiástica, num tempo em que bruxas queimavam na fogueira, e ele nunca perde a pose.  A jovem Daphne Patakia tem uma forte interpretação de figura mais guiada pelo instinto ou pelo desejo do que pelas coisas divinas.  Todo o elenco tem desempenho muito apropriado para uma história desafiante e cínica, como a de “Benedetta”.

 

 

RODA DO DESTINO

 Antonio Carlos Egypto

Do Japão veio um dos melhores filmes da Mostra 45, RODA DO DESTINO (A Guzen to Sozo), de Ryusuke Hamaguchi (de “Asako I e II”), agora entrando no circuito exibidor.  Composto por três histórias distintas, que envolvem a vida de mulheres em encontros em que a complexidade das relações humanas e amorosas é evidenciada.  Tudo acontece, aparentemente, por acaso.  Ou por obra do destino.  E se dá de uma forma poética, por meio da palavra.  É um filme de erotismo verbal.  O sexo valorizado pela linguagem literária, ou por expressivo relato de encontro amoroso.  Ou, ainda, pela memória do passado, que vem novamente à tona.  Numa das narrativas, predomina o triângulo amoroso que irrompe de modo inesperado, cheio de sensualidade.  Em outra, uma aluna tenta seduzir seu mestre, lendo em voz alta um trecho erótico do romance que ele escreveu.  E isso se dá de porta aberta.  Na última história, o encontro casual de duas mulheres acontece ao se reconhecerem cruzando uma escada rolante.  Uma longa e profunda conversa vai se dar quando uma vai à casa da outra e descobertas fundamentais virão daí.  Simplesmente encantador em sua aparente simplicidade.  E extremamente cativante e eficiente nas três diferentes situações, uma melhor do que a outra.  No elenco, Kotone Furukawa, Kiyoshiko Shibukawa, Katsuri Mori, Fusako Urabe.  121 min.
 

 

O FESTIVAL DO AMOR

Antonio Carlos Egypto

 

 

O FESTIVAL DO AMOR (Rifkin’s Festival).  Estados Unidos/Espanha, 2020.  Direção e roteiro: Woody Allen.  Elenco:  Wallace Shawn, Gina Gershon, Louis Garrel, Elena Anaya, Christoph Waltz, Sergi López.  92 min.

 

 

Para abrir o ano cinematográfico de 2002, entra em cartaz nos cinemas “O Festival do Amor”, uma comédia romântica.  Mais uma?  Se isso não o entusiasma, lembre-se apenas de que o diretor e roteirista dessa comédia é Woody Allen.  E dele não se esperam coisas óbvias ou batidas.  Nem sempre são produtos geniais, ninguém é genial o tempo todo, mas não faltam inovação e inteligência no seu trabalho.

 

Em “O Festival do Amor”, a trama que envolve Mort Rifkin (Wallace Shawn), escritor, crítico e professor de cinema clássico, sua mulher Sue (Gina Gershon), jornalista e assessora de imprensa, o cineasta Philippe (Louis Garrel) e a médica dra. Rojas (Elena Anaya), tem os elementos habituais do gênero: ciúme, competição, decepções, brigas, traições.  Só que tudo isso transpirando cinema por todos os poros.

 

Para começar, porque toda a ação se passa durante o prestigioso Festival de San Sebastian, na Espanha.  Lá se apresentam, se projetam e se discutem os filmes.  Os egos se manifestam fortemente, as vaidades, a moda, a busca do sucesso tanto artístico quanto econômico.  Tudo isso está contemplado na narrativa.

 

Os fatos, que estão sendo vividos pelos personagens, na realidade, na imaginação ou no sonho, estão expressos em “recriações” de cenas famosas de filmes essenciais para a história do cinema.  Assim, Woody Allen insere “O Cidadão Kane”, de Orson Welles, o “8 ½”, de Fellini, “Jules e Jim”, de Truffaut, “Persona” e “O Sétimo Selo”, de Bergman, “O Anjo Exterminador”, de Buñuel, e “O Acossado”, de Godard.  Uma festa para os cinéfilos.  E ele, claro, constrói essas refacções em preto e branco, dentro de seu filme colorido.  Permito-me lembrar-lhes de que devemos em grande parte a Woody Allen o sucesso da empreitada de combater e abolir a infeliz ideia, que ganhava força, de colorizar os filmes clássicos.  Alguns foram feitos e o resultado é lamentável.  Mais um ponto a favor de Allen na história do cinema, além de seus filmes.

 

O “O Festival do Amor” é também uma bela homenagem à cidade de San Sebastian.  Woody Allen tem se dedicado a criar suas tramas em algumas das mais bonitas cidades do mundo.  E, segundo ele, San Sebastian é uma delas.  A julgar pela fotografia e pelos lugares destacados no filme, deve ser mesmo.  O filme estimula a conhecer San Sebastian e o seu importante festival.  Como é óbvio, “O Festival do Amor” estreou no Festival de San Sebastian.

 

O novo filme de Allen é, portanto, muito atraente para quem curte ou trabalha com cinema, para quem gosta de ver a beleza das cidades e para quem gosta de uma pegada romântica. 

 

O trabalho dos atores e atrizes do filme é de primeira.  Os protagonistas estão muito bem, esbanjando talento e envolvimento com a história.  Os coadjuvantes não ficam atrás, deixando sua marca, como a morte (Christoph Waltz) na encenação de “O Sétimo Selo”, por exemplo.  É um filme leve, simpático, bem construído. Mostra que Woody Allen continua sendo uma referência, em matéria de cinema.