ESPERANDO ACORDADA

Antonio Carlos Egypto

ESPERANDO ACORDADA (Les Chaises Musicales).  França, 2015.  Direção e roteiro: Marie Belhome.  Com Isabelle Carré, Carmen Maura, Philippe Rebbot, Nina Meurisse.  83 min.

Um susto produz uma queda.  Homem desconhecido, não deu nem para ver o rosto. E  se ele tiver morrido?   Não dá nem para imaginar tal coisa.  É preciso socorrê-lo.  Mas a garota atrapalhada, vestida de morte para animar festas infantis, se perdeu e já está muito atrasada.  Um telefonema para a polícia resolve isso.  É só usar o celular e se mandar...

E agora?  Fazer de conta de que nada aconteceu?  Impossível.  A culpa não deixaria. Será que ele morreu? É preciso saber.  Parece que está em coma.  Ufa!  Ainda há reparação possível.  É preciso descobrir quem ele é, como vive, onde mora.  Entrar na sua vida, cuidar das suas necessidades.  E até de seu filho.  Quem sabe, amá-lo.

A trama de “Esperando Acordada” explora as circunstâncias fortuitas da vida que podem mudar tudo de uma hora para outra.  E as adaptações e acomodações que temos de fazer para dar conta da nova situação.

A insatisfação, a infelicidade, a mediocridade são componentes rotineiros da vida das pessoas.  Se algo extraordinário acontece, o sentido dessas vidas pode até se iluminar, descobrir algo onde quase não havia nada.

O filme de Marie Belhome, “Les Chaises Musicales”, aqui lançado como “Esperando Acordada”, traz essa história curiosa e transformadora, apresentando um caso de amor e dedicação, ancorado na expiação da culpa e no fascínio pela vida do outro.  Como estreia em longas da diretora, é um bom começo.

Isabelle Carré faz a jovem Perrine, com todas as nuances que o personagem pede, e carrega o filme.  Apesar de haver no elenco ninguém menos do que Carmen Maura, que sempre será lembrada pelos incríveis papéis que fez nos filmes de Pedro Almodóvar.  Aqui, ela parece um tanto deslocada, numa função coadjuvante, sem maior brilho.  Philippe Rebbot e Nina Meurisse completam o elenco com eficiência.  “Esperando Acordada” não é nenhuma grande obra do cinema, mas  é uma graça de filme.

11ª MOSTRA MUNDO ÁRABE DE CINEMA

Para quem quer diversidade, nada melhor do que conhecer alguns dos filmes da Mostra de Cinema Árabe, que está acontecendo em São Paulo.  Vai até 28 de agosto, no Centro Cultural Banco do Brasil, Centro Cultural São Paulo e Cinesesc.

Filmes da Palestina, do Marrocos, do Egito, do Líbano, da Tunísia, da Argélia, dos Emirados Árabes, do Qatar e Iêmen, podem ser vistos por lá.  É preciso arriscar, porque você pode encontrar ótimos filmes e produções mais precárias, também.  Mas, nesse tipo de Mostra, sempre vale o risco.

Eu já vi, por exemplo, “Memória Fértil”, um  docudrama, filmado dentro do território palestino chamado linha verde, na fronteira com Egito, Jordânia, Líbano e Síria.  Vi, ainda, dois outros filmes palestinos, “Amores, Roubos e Outras Complicações”, que brinca com os conflitos e busca a paz, e um curta notável, “Ave Maria”, que trata com humor das limitações que se impõem a freiras católicas no meio do deserto e a judeus, em pleno sabbath.  “Orquestra Cega” e “Homens de Argila”, filmes de Marrocos, são boas produções que também gostei de conhecer.  Vale a pena conferir essa Mostra. 

  

Café Society

Tatiana Babadobulos

CAFÉ SOCIETY. EUA, 2016. Direção e roteiro: Woody Allen. Com: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Jeannie Berlin, Ken Stott. 96 min.

É na crítica ao oba-oba de Hollywood que Woody Allen enfoca seu mais recente longa-metragem. “Café Society” se passa nos áureos anos 1930, na costa oeste dos Estados Unidos, quando o cinema sonoro estava começando.

É tempo dos musicais e de muito dinheiro na América, haja vista que a Europa ainda se recuperava da Primeira Guerra Mundial.

O personagem central é Bobby (Jesse Eisenberg) que, em busca de um novo trabalho, se muda de Nova York para Los Angeles. Ele vive com a família, no Bronx, em Nova York, um bairro típico da periferia, longe do glamour de Manhattan.

Seu pai, Marty (Ken Stott), é do tipo brutamontes, e sua mãe, Rose (Jeannie Berlin), está sempre pronta a fazer comentários maldosos do marido. Seu irmão mais velho, Ben (Corey Stoll), é um gângster –e daí saem histórias ótimas que lembram os filmes de máfia.

Em busca de uma oportunidade, Bobby larga a joalheria do pai na costa leste e vai atrás do tio Phil (Steve Carell).

Phil é daqueles descolados que trabalham na indústria do cinema, vive com a casa cheia de artistas e não tem tempo para a família. De qualquer maneira, se prontifica a ajudar o sobrinho e, para isso, pede auxílio de sua assistente, Vonnie (Kristen Stewart), para que ela lhe mostre a cidade e arrume coisas para ele fazer no escritório.

Woody Allen participa do longa não apenas como diretor e roteirista, mas também como narrador. É ele quem conta a história que vai se desenrolando na tela. Uma forma sutil de mostrar as idas e vindas dos personagens.

“Eu mesmo quis fazer isso, porque eu sabia exatamente como queria que as palavras fossem ditas”, diz o diretor no material de divulgação para a imprensa. “Pensei que como eu mesmo havia escrito o livro, seria como se eu estivesse lendo o meu próprio romance.”

Eisenberg e Carell têm uma veia cômica que é respeita por Allen. O primeiro, aliás, já tinha trabalhado com o realizador em “Para Roma Com Amor” e, de certo modo, é como um alter ego de Woody Allen, que muito já interpretou tipos assim em filmes seus.

A atriz Kristen Stewart, que ficou conhecida no cinema por sua atuação na saga “Crepúsculo” (todo mundo tem um passado que lhe condena), atua de forma austera, tal como o fez em “Acima das Nuvens”, ao lado de Juliette Binoche.

E é nesse clima de socialites, aristocratas, artistas e celebridades que se desenrola o longa. Quando o personagem volta para Nova York em busca de suas raízes, é como uma metáfora comparando a vida do diretor, que prefere filmar na cidade onde mora, mas que ultimamente tem realizado filmes em outros lugares do mundo como uma maneira de viabilizar seus projetos, dizendo de maneira prática.

Ele mesmo já afirmou isso, quando fora convidado para filmes no Reino Unido. Fora três filmes seguidos: “Match Point”, “Scoop” e “O Sonho de Cassandra”. Sem contar nas homenagens feitas a outras cidades, como “Vicky Cristina Barcelona”, “Meia-Noite em Paris” e “Para Roma com Amor”.

Assim como em Match Point, que aparecem os pontos turísticos de Londres como coadjuvantes, aqui Hollywood se destaca como cenário, pano de fundo para o desenrolar da história, mesmo que haja momentos de contemplação e turístico com os passeios ao redor das casas dos artistas, um passeio muito comum a todos que visitam Los Angeles pela primeira vez.

“Café Society” tem bons personagens e roteiro encantador, além de fazer homenagem ao cinema. A trilha sonora é o ponto alto que não vai deixar você sair do cinema antes de terminarem os créditos.

Cumprindo à risca de ter um lançamento no cinema por ano, Woody Allen apresentou sua obra durante o Festival de Cannes, em maio. No Brasil, poderá ser visto a partir de 25 de agosto.

FILMES EM CARTAZ NOS CINEMAS EM TEMPO DE OLIMPÍADA

Antonio Carlos Egypto

Star Trek: Sem Fronteiras

STAR TREK: SEM FRONTEIRAS

Quem é fã da série “Jornada nas Estrelas” não vai perder este Star Trek, de 2016, direção de Justin Lin.  Se o que se busca é espetáculo, além de personagens conhecidos e muito curtidos, é uma pedida óbvia.  Ainda mais em tela IMAX e em 3D.  Ficção científica, fantasia e aventura, com muita ação, efeitos especiais sofisticados e o de sempre.  Ou seja, nada de novo.  Mas muita diversão.

VIDAS PARTIDAS

O filme brasileiro de Marcos Schechtman, protagonizado por Domingos Montagner e Naura Schneider, trata da séria questão da violência doméstica que atinge as mulheres.  Baseia-se nas alarmantes estatísticas que revelam a extensão desse tipo de crime, no Brasil e no mundo.  Busca contar uma história de ficção que inclua os aspectos relevantes do problema, com preocupação em ser didático.  Comemora os dez anos de existência da Lei Maria da Penha e nos lembra do muito que ainda há para fazer.  Ótima intenção, assunto importantíssimo.  Realização mediana.

Negócio das Arábias

NEGÓCIO DAS ARÁBIAS

Inicialmente chamado de “Um Holograma para o Rei”, como é o título original, o filme de Tom Tykwer, de “Corra, Lola, Corra”, de 1998, tem como protagonista Tom Hanks, no papel de um empresário americano em apuros financeiros, que vai fazer negócios na Arábia Saudita.  E se depara com diferenças culturais que infernizam sua vida.  Faz graça com os costumes locais, as dificuldades de entender e conviver com essas diferenças.  Flerta com a ideia do choque de culturas, mas se redime quando faz com que o empresário encontre o amor onde ele menos esperava, ao conhecer uma médica fascinante daquela região.  Apesar das credenciais do diretor e do badalado ator Tom Hanks, nada muito empolgante.

AMOR E AMIZADE

Filme inglês, baseado no romance Lady Susan, de Jane Austen, com os ingredientes tradicionais da escritora: as relações incestuosas entre amor e dinheiro.  A busca de pretendentes que garantam uma vida estável e status social, em meio a amantes e aos casos amorosos mais diversos.  Dirigido por Whit Stillman, de forma convencional, tem ambientes e vestuário atraentes e um bom elenco capitaneado por Kate Beckinsale.  Novelão de época.

Amor e Amizade

CAVALEIROS BRANCOS

Filme-denúncia, de Joachim Lafosse, que conta o escândalo do caso Arca de Zoé, um grupo humanitário francês, preso no Chade, centro da África, acusado de sequestro e comércio de crianças de até 5 anos de idade, no ano de 2007.  Sua missão seria a de ajudar órfãos sudaneses a encontrar família na França, oferecendo vida e educação melhores a essas crianças.  Protagonizado pelo ótimo ator Vincent Lindon, o filme levou prêmio de direção, no Festival de San Sebastian.  Boa realização.

Cavaleiros Brancos

CONEXÃO ESCOBAR

Filme policial, dirigido por Brad Furman, com Bryan Cranston no papel do agente federal que conseguiu se infiltrar no cartel de drogas comandado por Pablo Escobar, a partir de Medellín, e aplicou plano fatal contra a organização criminosa.  “The Infiltrator”, o título original, já indica que a história é contada do ponto de vista da polícia, daí eu ter usado a expressão filme policial em lugar de suspense. Ele segue o modelo dos antigos filmes do gênero.  Não entusiasma.

A VIAGEM DE MEU PAI

Antonio Carlos Egypto

A VIAGEM DE MEU PAI (Floride).  França, 2015.  Direção: Philippe Le Guay.  Com Jean Rochefort, Sandrine Kiberlain, Laurent Lucas, Anamaria Marinca.  110 min.

Akira Kurosawa (1910-1998) considerava que uma condição essencial para se ter um bom filme é se ter um bom personagem.  De fato, um personagem bem estruturado, psicologicamente consistente, inserido em seu contexto sociocultural e histórico, é capaz de envolver o público, cativá-lo, provocá-lo ou assustá-lo.  É meio caminho andado para que um filme funcione e atinja o espectador, razão de ser da produção cinematográfica, algumas vezes ignorada pelos realizadores.

O personagem Claude (Jean Rochefort), de “A Viagem de Meu Pai”, é uma dessas figuras que marcam presença com força e prendem a nossa atenção o tempo todo.  Impossível ficar indiferente a ele.

E quem é Claude?  Um homem na faixa dos 80 anos, que tem força, presença marcante, alta autoestima e, consequentemente, uma boa imagem de si mesmo e de suas capacidades e recursos.  Só que ele já está sofrendo do mal de Alzheimer, mas não se dá conta disso.  Ou prefere não ver que seus esquecimentos, as confusões que ele acaba provocando, as dificuldades que surgem no convívio com as pessoas, são consequência de um problema sério, de uma doença que atinge a mente, embora possa mantê-lo ativo e serelepe. 

O desgaste que sua filha sofre e demonstra, inclusive com a troca de cuidadoras que ele, de um lado, rejeita, de outro, se relaciona de um modo totalmente inconveniente, não é percebido como algo relacionado ao que ele faz.  Assim como as malandragens que o divertem são da ordem de um comportamento infantil, que ele não percebe como fora de lugar.

Enfim, o roteiro do diretor Philippe Le Guay e de Jérôme Tonnerre, com base em história de Florian Zeller, explora muito bem as características da doença de Alzheimer, se manifestando numa pessoa dinâmica, forte e divertida, muito difícil de abordar, controlar e restringir.  Tanto que, quando ele resolve fazer uma grande viagem, o fará, de um modo ou de outro.  No caso, o destino é a Flórida, onde supostamente vive sua outra filha, e que produz um suco de laranja inigualável.  Claude não aceita nenhum outro suco em seu lugar.

Para que o filme se complete, surpreenda ao final e faça valer a boa trama que construiu, aplica-se uma pegadinha na plateia.  Sem ela, não seria possível.  Não gosto desse recurso, apesar de reconhecer que funciona, no filme.  É, digamos, um mal menor que se pode tolerar.

A direção, numa abordagem clássica, consegue passar um clima de leveza e informação séria, que faz a gente refletir, se divertindo.  À semelhança de um outro trabalho anterior de Philippe Le Guay, “Pedalando com Moliére”, de 2013, o humor é o seu ponto forte.  Um humor inteligente, sofisticado.

Em “A Viagem de Meu Pai”, nada supera a construção do personagem.  É seu grande trunfo.  Claude é muito especial e vivido com enorme talento pelo ator Jean Rochefort.  Ele é brilhante, consegue uma atuação impecável, luminosa, que encanta.  A gente ri, se diverte, sofre com ele, torce por ele, admira sua determinação.  Rochefort constrói um personagem inesquecível, que vale o filme.

DE LONGE TE OBSERVO

Antonio Carlos Egypto

DE LONGE TE OBSERVO (Desde Allá).  Venezuela, 2015.  Direção e roteiro: Lorenzo Vigas.  Com Alfredo Castro, Luís Silva, Jericó Montilla, Catherina Cardozo.  93 min.

“De Longe Te Observo”, da Venezuela, primeiro longa de Lorenzo Vigas, foi o vencedor do Leão de Ouro no Festival de Veneza e foi exibido na 39ª. Mostra Internacional de Cinema de São Paulo com seu título original, “Desde Allá”.

O filme navega num universo em que a homossexualidade como desejo traz à tona uma série de questões e constrói uma narrativa complexa, muito forte, que surpreende.  Tem uma estrutura consistente, que inclui a realidade social dos meninos de rua, mexe e brinca com preconceitos estabelecidos.  E envereda por uma trama que tem elementos policiais e suspense.  Faz tudo isso de forma bem concatenada.

A narrativa se centra no relacionamento entre Armando (Alfredo Castro), um homem que paga para que jovens fiquem nus para ele se masturbar sem tocá-los, e Elder (Luís Silva), adolescente em situação de rua, que lidera uma gangue juvenil.  A relação se dá por meio do dinheiro, mas se estabelece de forma complicada, trazendo muitos elementos.  O dinheiro aparece como roubo, meio de agressão, chantagem, afeto ou solidariedade.  Traz mistérios que envolvem o passado de Armando e o pai dele, que entrarão nessa relação, vinculando dois personagens que, a rigor, só estariam em contato em função de interesses imediatos e fugazes.

Assim como o personagem Armando, a câmera observa as situações, passeia pela vida deles e de seus encontros, dá tempo para que entendamos o contexto e as variáveis que os envolvem, mantendo um clima seco, duro e algo misterioso.

O que está para ser revelado nunca sabemos muito bem o que é, do que se trata realmente.  A trama conta especialmente com os dois protagonistas em ótima atuação, sutil e contida, que ajudam a prender a nossa atenção para o que vai se desenrolar em camadas sucessivas.

A história original que serviu de base para o roteiro do diretor é do escritor  e roteirista mexicano Guillermo Arriaga, de trabalhos como “Babel” e “Amores Brutos”.  O filme é coproduzido pelo México.  Um belo trabalho do cinema venezuelano, que confirma a observação de um grande momento criativo para a sétima arte na América Latina.

PRÊMIO PLATINO

Antonio Carlos Egypto

Punta del Leste, no Uruguai, foi a cidade onde se realizou a cerimônia de entrega dos Prêmios Platino do Cinema Ibero-Americano 2016, sua 3ª. edição.  Para o próximo ano, está escalada a cidade de Madri, na Espanha.

O Canal Brasil transmitiu a festa na íntegra, num belíssimo e amplo palco de espetáculos.  Boa produção, tecnologia, roupas, chistes, muita música.  E a inevitável mimetização do Oscar.  Mas com uma grande diferença: foi muito fácil concordar com as premiações.  Houve, na minha opinião, uma justiça evidente na escolha dos premiados.  O que nunca acontece no Oscar.

Ficou muito claro o padrão de qualidade que, neste momento, confere ao cinema ibero-americano uma posição respeitável e de destaque, no contexto cinematográfico mundial.  A leva de filmes concorrentes era excelente.

O Abraço da Serpente

O grande vencedor da noite foi o colombiano O ABRAÇO DA SERPENTE, de Ciro Guerra, escolhido como melhor filme, melhor diretor, montagem, fotografia, direção de arte, som e trilha sonora.  Um grande e merecido reconhecimento para um filme muito bem concebido e realizado, que buscou nos meandros amazônicos as realidades culturais indígenas, em dois tempos distintos e em sua relação com os cientistas e com os exploradores da região.  Os mergulhos vão de botânicos a místicos, revelando todo um universo intrigante e desconhecido aos espectadores.  A crítica do filme está disponível no cinema com recheio, postada em fevereiro de 2016.

O prêmio de melhor documentário foi para o excepcional O BOTÃO DE PÉROLA, de Patrício Guzmán, do Chile.  Maravilha!  (Crítica postada em maio de 2016).  O de melhor roteiro ao filme chileno O CLUBE, de Pablo Larraín (crítica postada no cinema com recheio em outubro de 2015), que aborda a polêmica questão da pedofilia na igreja católica com muita competência.  No seu intimismo está toda uma estrutura em questão.

O melhor filme de diretor estreante foi para o guatemalteco IXCANUL, que significa vulcão, em língua indígena, dirigido por Jayro Bustamante com talento de veterano.  Uma história muito bem construída, de concepção moderna, relata um universo complexo, em que tradições se chocam com demandas da atualidade.  Um grande filme, sem dúvida.

O prêmio especial de Direitos Humanos, para filmes que abordam educação e valores, foi para o brasileiro QUE HORAS ELA VOLTA?, de Anna Muylaert, nosso melhor produto cinematográfico de 2015 (crítica no cinema com recheio em agosto de 2015).

Guillermo Francella

Também parece ter havido justiça na premiação de ator e atriz.  Guillermo Francella, um conhecido ator de comédia na Argentina, brilhou num papel dramático terrível, de um homem que comanda com seus familiares um negócio de sequestros.  O filme é O CLÃ, de Pablo Trapero, reconhecido diretor argentino de trabalhos que fazem denúncias e convidam à reflexão.

PAULINA, outro filme argentino, de Santiago Mitre, boa realização, mas muito polêmico, rendeu o prêmio de atriz a Dolores Fonzi.  Uma boa interpretação para um papel complicado, o de uma mulher vítima de violência, que toma um rumo inesperado e discutível, com o qual as outras mulheres não se identificam.

Dolores Fonzi

O prêmio de melhor filme de animação coube a ATRAPA LA BANDERA, de Enrique Gato, da Espanha.  Esse não posso comentar porque não vi .

A grande homenagem da noite, o prêmio de Honor pelo conjunto de trabalhos dedicados ao cinema, foi especialmente justo ao escolher o argentino Ricardo Darín, um dos melhores atores em atividade no mundo do cinema, hoje em dia.  E que tem o mérito de se envolver em uma filmografia muito bem escolhida, para a qual ele contribui decisivamente com seu talento.  Pena que o filme espanhol TRUMAN, de Cesc Gay, em que Darín atuou ao lado de Javier Cámara, tenha sido indicado, mas não tenha levado nenhum prêmio. É que havia muita coisa boa em disputa (a crítica de TRUMAN foi postada no cinema com recheio em abril de 2016).

Ricardo Darín

É muito gratificante constatar o bom momento da cinematografia latina, americana e europeia, da Península Ibérica, e a diversidade dos trabalhos premiados, ainda que o Brasil tenha tido participação pequena, embora relevante, no evento.

MÃE SÓ HÁ UMA

Antonio Carlos Egypto

MÃE SÓ HÁ UMA.  Brasil, 2015.  Direção e roteiro: Anna Muylaert.  Com Naomi Nero, Matheus Nachtergaele, Dani Nefussi, Daniel Botelho, Laís Dias, Luciana Paes, Helena Albergaria.  82 min.

Após o êxito do filme “Que Horas Ela Volta?”, em 2015, Anna Muylaert nos apresenta um novo e bem estruturado trabalho.  E que, mais uma vez, mergulha no universo familiar e o conecta com o contexto social. 

O ponto de partida que serviu de livre inspiração para o filme “Mãe Só Há Uma”, é uma história muito conhecida e divulgada: o caso real do menino Pedrinho, amplamente noticiado e que emocionou o público, em 2002.  Para quem não se lembra, ele havia sido roubado na maternidade, em Brasília, foi educado e amado pela mulher que praticou o sequestro.  Vivia com ela, o marido e uma outra filha, que também se soube ter sido igualmente roubada.  No entanto, a família biológica de Pedrinho continuou à sua procura e acabou encontrando-o, já adolescente, dezesseis anos depois.  Foi uma mudança brusca de vida para todos os envolvidos, porém, tudo aparentemente acabou se encaixando.  A mulher que cometeu o crime foi condenada e presa.

Contar essa história já seria bastante emocionante para um filme.  E seria sempre possível acrescentar ingredientes, questionamentos, incertezas.  Ou apelar para o sentimentalismo, com vistas a levar as plateias ao choro. O filme de Anna Muylaert avança muito mais.  Cria uma ficção que une esse fato gerador à questão da identidade, da aceitação e do convívio com a diversidade, envolvendo os preconceitos que perpassam pelo tecido social, em momento de extrema fragilidade afetiva para os personagens centrais da trama.

Reencontrar e redescobrir um filho perdido só aos 17 anos de idade, após a busca de uma vida, por meio de um exame de DNA, decorrente de uma denúncia anônima, já tem uma dimensão fantástica e desafiadora. Um jovem em pleno processo de afirmação de características de personalidade, desejos e buscas, mudar de nome, de família, de casa e de escola é algo tão mobilizador quanto assustador.  Que pode produzir muito sofrimento e respostas surpreendentes.  Assim como poderia significar uma descoberta gratificante, quem sabe até uma aventura empolgante da juventude.  As possibilidades são imensas.  E imprevisíveis.

O roteiro que Anna Muylaert elaborou para “Mãe Só Há Uma” exacerbou o conflito da situação, trazendo elementos inesperados, como a perspectiva de gênero que o garoto resolve radicalizar justamente quando seu mundo vira de cabeça para baixo.  Para os pais que esperaram por tantos anos pelo filho tão desejado e buscado, como será conviver com um adolescente que eles desconhecem e que gosta de usar vestidos e pintar unhas, por exemplo?

A forma como essas questões se articulam na trama do filme é muito inteligente e mexe com os espectadores.  O final é precioso: o afeto e a aceitação podem vir de onde menos se espera.

O papel complicado desse personagem adolescente às voltas com seus conflitos internos e sua relação com duas histórias, duas famílias, o preconceito e a rejeição social, coube ao jovem ator Naomi Nero.  Ele se entrega ao personagem e convence.

Dani Nefussi vive muito bem o papel duplo das mães Glória e Aracy, enquanto Matheus Nachtergaele interpreta o pai, com elementos de machismo, de preconceito e de opressão, ao mesmo tempo que de insegurança, de impotência e até de subserviência.  Ele é um ator que consegue transitar por universos de personagens e situações muito diversos, sempre com grande habilidade.

Não só esses protagonistas, como todo o elenco, estão muito bem, valorizando em cada personagem essa narrativa tão propícia à reflexão, em um exemplo de grande qualidade do cinema brasileiro atual.

  

UM DIA PERFEITO

Antonio Carlos Egypto

UM DIA PERFEITO (A Perfect Day).  Espanha, 2015.  Direção: Fernando Léon de Aranda.  Com Benício Del Toro, Tim Robbins, Olga Kurylenko, Mélanie Thierry.  96 min.

“Um Dia Perfeito” é um filme espanhol, falado em inglês e nas línguas locais do conflito que aborda, baseado no romance Dejarse Llover, de Paula Farias, escritora, médica humanitária, ex- presidente da Ong Médicos Sem Fronteiras.

O argumento enfoca agentes humanitários de resgate, atuando na guerra dos Bálcãs, 1995.  Esses agentes têm por missão salvar vidas, resolver questões humanitárias, em meio aos conflitos da guerra.  São pessoas dedicadas, persistentes, que têm de enfrentar burocracias paralisantes, assistir à inoperância da ONU na região e manter o humor, em meio a circunstâncias trágicas.

Como diz o diretor Aranda, “Salvar vidas não é um ato heróico em si.  O heroísmo vem da persistência”.  O que explica que os personagens retratados no filme sejam figuras absolutamente corriqueiras, mas colocadas num contexto exasperante e que assim se aguentam e sobrevivem de ajudar os outros.

A região conflagrada já está em procedimentos de paz, mas tudo está muito confuso por lá.  Um defunto foi arremessado no único poço que abastece uma região, para contaminar a água que serve à população local.  Para tirar esse corpo de lá, será preciso obter uma corda, o que pode não ser uma tarefa simples.  Há as minas colocadas nas estradas, ao lado de vacas que bloqueiam a passagem.  E há, é claro, uma burocracia ilógica e incompreensível.  Como é toda burocracia, diga-se de passagem. 

Um bom assunto para uma comédia ácida, que se vale da ironia e da farsa para nos revelar, uma vez mais, os absurdos das guerras e dos mecanismos internacionais de controle a elas associados.

Um elenco de atores e atrizes de peso consegue dar o tom apropriado a essa história, que é cômica porque também é trágica.  Benício Del Toro e Tim Robbins, em ótimos desempenhos, nos colocam no fulcro da questão, olhando para o poço contaminado, levando um menino em busca de uma bola, percebendo que as cordas muitas vezes estão ocupadas pelos enforcados.  A atriz ucraniana Olga Kurylenko e a francesa Mélanie Thierry são os destaques femininos.  Muito convincentes.  O filme foi exibido na Quinzena dos Realizadores, em Cannes 2015, e venceu o Prêmio Goya, o Oscar espanhol, de melhor roteiro adaptado.

JULIETA

  

Antonio Carlos Egypto

JULIETA (Julieta).  Espanha, 2016.  Direção e roteiro: Pedro Almodóvar.  Com Adriana Ugarte, Emma Suárez, Rossy de Palma, Daniel Grao, Imma Cuesta, Darío Grandinetti.  99 min.

O cineasta espanhol Pedro Almodóvar é um autor cinematográfico que tem um universo próprio, a marca registrada que o identifica junto ao público e à crítica.  Isso gera expectativas específicas e uma avaliação que, necessariamente, remete ao conjunto da obra.  Não importa tanto saber se o filme é bom ou não, mas se ele corresponde ao estilo almodovariano de filmar, se se pode reconhecer o diretor no trabalho apresentado.  Lembra um pouco a obsessão por encontrar a figura de Hitchcock em cada filme dele, já que ele fazia aparições rápidas em todos eles.

“Julieta”, o novo filme de Almodóvar, é uma produção muito bem cuidada, com excelente elenco, e que conta uma história com muita competência.  Seria um filme típico do diretor?  Seu estilo característico está lá?  Penso que sim, mas com restrições. 

Para começar, temos o mergulho no universo feminino.  As mulheres sempre foram os melhores personagens almodovarianos, extravasam seus conflitos e sua complexidade emocional, mantendo uma aura misteriosa e algo inacessível.  “Julieta” é um filme feminino até a medula.  A questão da maternidade com a perda e o distanciamento dos filhos, ou filhas, ocupa o centro da narrativa.  Tem também o não-dito, o não-trabalhado, a culpa, elementos que complicam ou inviabilizam as relações.

Estamos no terreno do melodrama, em que Almodóvar se move com absoluta naturalidade e com tranquilidade.  O drama é forte e complexo, como costuma ser nos filmes dele.  O que falta aqui é aquela boa dose de humor que nos faria apaixonar pelos personagens.  O distanciamento é maior e o estranhamento, menor.

Sim, faltam figuras claramente deslocadas, apartadas da sociedade.  Aquilo que os norte-americanos costumam caracterizar como loosers.  Não que não haja perdas – e muito fortes – em “Julieta”, mas elas se dão no campo da chamada normalidade, ou próximo dela.

Aqui, o trabalho de Pedro Almodóvar se faz a partir da adaptação de três contos da escritora canadense Alice Munro, não é como na maioria dos casos, em seus filmes, um roteiro original.  No entanto, o cineasta transforma os textos que adapta em situações almodovarianas com facilidade, como fez em “Carne Trêmula”, de 1977, e “A Pele que Habito”, de 2011.  Em “Julieta”, foi mais discreto, talvez mais fiel aos textos originais, não sei.

As cores fortes, berrantes, exageradas, que costumam marcar os filmes de Almodóvar, estão presentes, embora um pouco mais discretas.  Os elementos de cena, objetos, decoração, vestuário, estão mais contidos em “Julieta”.  De modo geral, as extravagâncias são bem menores do que de costume.  Talvez porque a sexualidade, que é seu tema permanente e recorrente, aqui se concentre na maternidade e na dor. 

Há que se destacar, ainda, que os conflitos são cercados por mistérios nunca claramente explicitados.  São mais sugeridos ou mencionados do que mostrados, como é o caso das amigas inseparáveis e do retiro espiritual que fanatizou Antía, a filha de Julieta, e transformou a vida dela e de todos à sua volta.  Há uma enormidade de coisas que ocorrem num trem em movimento, figuras que se movem fora dele, como um cervo e um homem.  Há a pesca e o mar, que são paisagem, morte e culpa. 

“Julieta” é um filme menos transgressor do que a maioria da produção almodovariana.  Nesse sentido, pode frustrar expectativas dos admiradores habituais do cineasta, que são muitos.  Mas admiradores, críticos ou detratores de Almodóvar, terão que reconhecer que, para além das expectativas, “Julieta” é um belo filme.

OS CAMPOS VOLTARÃO

Antonio Carlos Egypto

OS CAMPOS VOLTARÃO (Torneranno i Prati).  Itália, 2014.  Direção e roteiro: Ermanno Olmi.  Com Claudio Santamaria, Alessandro Sperduti, Francesco Formichetti, Andrea di Maria.  80 min.

Como lembrar as sangrentas batalhas que marcaram a Primeira Guerra Mundial, agora que se rememora o centenário daquela carnificina?  Para o veterano diretor italiano Ermanno Olmi não foi difícil.  Seu pai lutou na Primeira Guerra e lhe contava muitas histórias que viveu no front.  Essas histórias deixaram marcas na juventude de Olmi e solidificaram nele um espírito humanista, antibélico.

A melhor forma de abordar o absurdo dessa guerra no cinema, para um diretor cunhado pela tradição neorrealista, era, naturalmente, recorrer a essas narrativas paternas, trazendo o cotidiano infernal do front de batalha em situações diversas, concentradas num único set e num único dia.  Valeu-se o tempo todo dessas histórias reais, vividas ou presenciadas, narradas pelo pai.

Estamos em 1917, acompanhando um grupo de soldados italianos no front de batalha, em Altipiano, nordeste da Itália. Eles estão em um bunker, cercados por nevascas e pelo exército austríaco, que procura dominá-los.  Mas, no início do filme, há espaço para apreciar a beleza dos campos cobertos de neve e até a beleza do canto de um dos soldados italianos que, com sua música, chega até os contendores da guerra, que o aplaudem e pedem mais.

O decorrer da experiência trará imagens, situações e sentimentos muito menos edificantes: o medo, a saudade da família, a fome, o convívio com os ratos, as doenças, os bombardeios, exibidos com minucioso realismo e despojamento, em longos planos-sequência não deixam margem a dúvida sobre a insensatez das guerras.  E o caráter infra-humano, anti-humano, que é sua marca registrada.

Em econômicos 80 minutos, o filme diz tudo o que tem a dizer, sem pregar absolutamente nada.  É pura observação, informação visual, reflexão sobre as pequenas ações e comportamentos de vida na guerra.  Para isso, se vale de uma fotografia deslumbrante e de um cenário que cria um ambiente claustrofóbico e opressivo, sem que haja dominadores ou opressores.  É a própria guerra que os oprime.

Um filme espetacular, de inegável beleza artística.  Eu diria que é a terceira obra-prima desse diretor, de quem se conhece pouca coisa, mas o que aqui chegou é primoroso.  “A Árvore dos Tamancos”, de 1978, ganhou a Palma de Ouro em Cannes, com todos os méritos.  “A Lenda do Santo Beberrão”, de 1988, levou o Leão de Ouro em Veneza e é outra maravilha.  Com “Os Campos Voltarão”, Ermanno Olmi apenas reforça e reafirma essa capacidade de produzir coisas deslumbrantes sem qualquer afetação ou ornamentação.

Para quem nasceu em 1931 e começou a dirigir desde o final dos anos 1950, Olmi até que fez pouco cinema, mas sua contribuição para ele é admirável e não poderá ser esquecida.  E que fôlego teve para realizar esse filme tão sofisticado na sua simplicidade, aos 83 anos de idade.  Muito bonito.