PRIMAVERA

Antonio Carlos Egypto

   

PRIMAVERA.  Itália, 2025.  Direção: Damiano Michieletto.  Elenco: Tecla Insolia, Michele Riondino, Andrea Pennacchi, Fabrizia Sacchi, Valentina Bellè, Stefano Accorsi.  110 min.

 

“Primavera”, de Vivaldi, é, talvez, o ponto alto de sua obra clássica barroca: As Quatro Estações.  É também o título do filme italiano, dirigido por Damiano Michieletto (famoso diretor de óperas) e a música que nos acompanha ao deixarmos o cinema satisfeitos com o que vimos.

 

De fato, o filme é bonito, bem realizado, rescende a música por todos os poros, além de contar uma história interessante, baseada no romance de Tiziano Scarpa, “Stabat Mater”, de 2008. 

 

É um filme sobre o padre Antônio Vivaldi (1678-1741), papel de Michele Riondino, e seu trabalho como violinista, compositor e regente, durante décadas no Ospedale della Pietà, fundado em Veneza em 1346 e que existe até hoje.  Trata-se de um convento/orfanato, dedicado a meninas abandonadas, que procurava desenvolver o talento musical delas, estimulando o estudo de instrumentos e de canto.  Lá Vivaldi trabalhou por um tempo e voltou mais tarde, produzindo uma obra não só maravilhosa como profícua.  Charles de Brosse, em 1739, diz: “Vi-o gabando-se de escrever um concerto mais rápido do que o copista poderia transcrever”. 

 

Bem, mas o filme “Primavera” não é apenas sobre a trajetória de Vivaldi.   Na verdade, o foco está na personagem Cecília (Tacla Insolia), órfã em que Vivaldi encontrou grande talento para o violino.  Cecília, para além do interesse pela música, aspirava sair daquele ambiente em que estava, na prática, em clausura.  Até nas exibições musicais, o conjunto tocava atrás de uma barreira.

 

Seu destino já estava traçado: um casamento de conveniência para o convento, interessado na grande soma de dinheiro que ele traria para a instituição.  O que era, aliás, uma prática comum.  Isso punha em confronto o empenho de Vivaldi em desenvolver Cecília para a música, mas o filme mostra a figura do padre compositor como alguém sem coragem para se opor às regras e à força do poder do dinheiro. 

“Primavera” acaba significando, nesse caso, a busca da liberdade, tão desejada por Cecília.  E a dificuldade de alcançar isso naquela época e naquele ambiente religioso.  A música expressa esse sentimento também, além da alegoria com a estação mais florida e festiva do ano.

 

Os protagonistas Tecla Insolia e Michele Riondino, assim como todo o elenco de apoio, com destaque para Stefano Accorsi, nos colocam naquele mundo e naquele período histórico de forma muito convincente, respaldados pela direção de arte, locações, figurinos.  É daqueles espetáculos que nos transportam para uma outra realidade.  O que o cinema consegue fazer e que encanta gerações, desde o final do século XIX.

 

 

FRANZ

Antonio Carlos Egypto

 

 

FRANZ (Franz).  República Tcheca/Polônia, 2025.  Direção: Agnieszka Holland.  Elenco: Idan Weiss, Peter Kurth, Jenovéfa Boková, Ivan Trojan, Katharina Stark.  127 min.

 

Fazer uma cinebiografia de uma figura tão extraordinária e complexa como o escritor Franz Kafka (1883-1924) é uma tarefa desafiadora.  É preciso encontrar um caminho viável que possa dar conta das muitas facetas de um personagem estranho, contraditório e, claro, genial.  Trabalhar a obra literária e a figura humana em suas relações com a realidade, o mundo, a guerra (a Primeira Guerra Mundial, no caso), o amor e a vida.

 

Quem encarou esse fantástico desafio foi a grande cineasta polonesa Agnieszka Holland.  E o caminho que ela trilhou foi, segundo a sinopse divulgada para o lançamento do filme, o mosaico caleidoscópico.  O pôster adotado para o lançamento enfatiza isso ao mostrar o rosto do ator Idan Weiss, que encarna Franz Kafka, dividido em pedaços que se deslocam para um lado e para o outro para manter a unidade.  De fato, o filme vai acoplando tudo o que diz respeito ao escritor, sem ordená-lo nem temporalmente, nem didaticamente.

 

O filme junta pedaços, mistura situações diversas, desde infância, juventude, vida adulta, atividade profissional rotineira, como funcionário público, e o escritor compulsivo que escrevia mais por necessidade do que para se comunicar. 

 

“Franz”, tratado aqui com intimidade, para ressaltar o lado pessoal, amava as palavras, via nelas a razão de ser de tudo, cultivava, com desespero até, o silêncio.  Aquele silêncio que lhe foi negado em família, marcado principalmente pelos gritos e imposições do pai.  O isolamento era algo que ele valorizava, buscava.  A impaciência e a indiferença estão na origem de todos os males segundo ele.

 

É impossível falar de Kafka sem se reportar ao que ele significa no mundo de hoje.  Ele queria destruir toda sua obra e pediu isso a um amigo, às vésperas da morte.  Felizmente, isso não aconteceu e até suas preciosas cartas sobreviveram, para nosso deleite.  Mas ele também virou mito e sua vida é esquadrinhada e sorvida com grande apelo turístico na belíssima cidade de Praga.  A diretora incorporou esse material documental à trama, misturando-o com as lembranças, fatos passados encenados como ficção, em várias etapas de sua vida, sem perder de vista a obra literária.  Suas frases, ideias, citações, estão integradas à narrativa e bastante valorizadas.

 

Ou seja, o caleidoscópio funciona.  Incorpora e mescla um monte de coisas de Franz e do Kafka, amalgamando tudo de um modo artisticamente muito bem realizado e consistente.

 

O problema é que não é fácil juntar e elaborar tudo isso e o espectador pode ter alguma dificuldade para acompanhar a biografia, se não tiver as informações básicas necessárias sobre a vida e a obra de Franz Kafka.  O desafio a quem for ver o filme é pesquisar, informar-se um pouco, antes e depois de vê-lo.  Quem vir com atenção, vai desejar fazer isso depois, vai ser estimulado a isso.  E mais: a ler e conhecer melhor a obra literária instigante e maravilhosa do autor de "A Metamorfose”, “O Processo”, “O Castelo”, “Carta ao Pai”, “Cartas a Milena” e outros trabalhos, que estão entre o que há de melhor na literatura do século XX.

 

Para quem não se lembra da obra cinematográfica de Agnieszka Holland, eu destacaria pelo menos dois belos filmes: “Filhos da Guerra”, de 1990, e “Zona de Exclusão”, de 2023.

O CONVITE

         

 Antonio Carlos Egypto

 

 

O CONVITE (The Invite).  Estados Unidos, 2026.  Direção: Olivia Wilde.  Elenco: Olivia Wilde, Seth Rogen, Penélope Cruz, Edward Norton.  107 min.

 

A produção estadunidense “O Convite” aposta no inesperado, no choque que conversas cínicas, desinibidas e sem censura, podem causar.  Para isso, mescla comédia, drama com muita ironia e acaba por produzir uma suposta sessão de psicoterapia.  Qual o objetivo disso?  Ir do mais formal e engessado até a mais ampla demonstração de intimidade numa relação social fortuita.  Há muitos exageros nesse caminho, mas a rota é boa.  Pelo menos, instigante.

 

Tudo já começa de forma surpreendente.  Vemos uma mulher que já se preparou para receber seus vizinhos de apartamento do andar de cima, quando seu marido chega e aparentemente nada sabe sobre isso.  Na verdade, o casal está incomodado com esses vizinhos, por conta do barulho, do alvoroço que eles promovem madrugadas adentro, por uma prática sexual exibicionista, expressa por orgasmos explicitados sonoramente.

 

Trata-se, portanto, de um encontro estranho, que pretende o quê?  Discutir e resolver tal questão, aproximar os vizinhos, produzir camaradagem?  E os convidados por que aceitaram?  O que podem querer com eles?  Haverá um convite no ar, que justifica o título do filme.

 

Pois bem, mas essa comédia que vira drama psicológico vai procurando nos surpreender a cada instante.  Viradas comportamentais são frequentes.  O imprevisível está sempre lá.  O que nem por isso torna a comédia hilária ou empolgante.  Mas os elementos escondidos, as tensões acumuladas, os desentendidos vão aparecendo e mudando o clima. 

 

A comunicação evolui em diferentes sentidos, a intimidade torna-se o centro do encontro.  As frustrações aparecem.  A ansiedade se manifesta.  E o “modernismo” dos convidados se dissolve em algo mais humano.

 

Até então, a comédia se baseava em bobagens, como uma cuidadosa mesa preparada para alguém que não consome carne, glúten, açúcar, etc..  Ou de um marido que não comprou o esperado vinho porque nem se deu conta do que estava acontecendo, nem queria que acontecesse. 

 

Nem por isso o que vem depois, mais próximo da realidade psíquica das pessoas, alcança níveis bergmanianos de profundidade.  É querer demais, eu sei.  Também não se compara a um filme com um ponto de partida semelhante, como “Deus da Carnificina”, de Roman Polanski, de 2011.  Em todo caso, a tentativa vale.

 

A diretora Olivia Wilde, também atriz no filme, é ousada na temática, na linguagem, nos diálogos e na atuação.  Mérito indiscutível.  O elenco que ela reuniu em torno de si, maravilhoso.  Seth Rogen, em muito bom desempenho, e as estrelas Penélope Cruz, como sempre radiante na tela, e Edward Norton, com seu charme e talento, são uma grande atração do filme.

INFÂNCIA NO CINEMA

 

  Antonio Carlos Egypto

 

 

O BOLO DO PRESIDENTE (Mamlaket Al-Qasab).  Iraque, 2025.  Direção: Hasan Hadi.  Elenco: Baneen Ahmed Nayef, Sajad Mohamad Qasen, Waheed Thabet Khreibat, Rahin AlHaj.  102 min.

 

O Bolo do Presidente

UMA INFÂNCIA ALEMÃ (Umrum).  Alemanha, 2025.  Direção: Fatih Akin.  Elenco: Jasper Billerbeck, Laura Tonke, Detlev Buk, Luisa Hagmeister, Diane Kruger.  93 min.

 

Uma Infância Alemã

Dois filmes recentes, para adultos, com questões sérias, importantes, que envolvem aspectos políticos, sociais e econômicos são protagonizados por crianças, atores mirins.  Um deles já está em cartaz nos cinemas e passou na 49ª. Mostra Internacional de Cinema em São Paulo: “O Bolo do Presidente”, do Iraque, dirigido por Hasan Hadi, tem a atriz Baneen Ahmed Nayef, no papel de Lamia, de 9 anos de idade.  O outro filme, que entra em cartaz ainda neste mês de junho de 2026, é “Uma Infância Alemã”, produção alemã, dirigida por Fatih Akin, protagonizada por Jasper Billerbeck, que interpreta o menino Nanning, de 12 anos de idade.

 

Nos dois casos, os filmes giram em torno da criança protagonista, que é quem conduz a trama onde a história se desenvolve.  Claro que, entre um filme que se situa na Alemanha, nos dias finais da Segunda Guerra Mundial, em 1945, e outro, que se situa no Iraque, nos anos 1990, há diferenças evidentes.  Porém, eles têm inúmeros pontos em comum.

 

Ambos se passam em locais dominados por regimes políticos autoritários, ditatoriais.  De um lado, Adolf Hitler, de outro, Sadam Hussein.  Ambos impõem seus valores de forma arbitrária, que não permite contestações e exigem sacrifícios de seu povo.

 

É por conta disso que Lamia, sorteada na escola por um professor, fica obrigada a fazer o bolo de aniversário do presidente e que a escola está também obrigada a festejar a data.  Assim, Lamia busca desesperadamente os ingredientes para fazer o bolo.  E por que isso é difícil?  Pela penúria da situação do Iraque e do eminente declínio de Hussein, que precisa das festas de aniversários recorrentes para encobrir o que não lhe interessa resolver, além de envolver o povo no assunto.  O filme se centra especialmente nessa luta insana de Lamia para cumprir essa obrigação absurda, nesse contexto social e político decadente.  Faltam os ingredientes, os preços são inalcançáveis para ela e sua família.  Há coisas que demandam muito trabalho para conseguir ou exigem uma tal criatividade para ser alcançada no tempo necessário que parece impossível a uma criança.  Mas ela nunca desiste.

 

Enquanto isso, Nanning, o garoto que vive na ilha de Umrum, na Alemanha, que vai perdendo a guerra, luta incessantemente para prover comida a sua família.  Preocupado especialmente com a mãe, que amargura a queda de Hitler e não quer comer nada a não ser pão branco, com manteiga e mel.  Uma exigência quase impossível naquela situação de absoluta carência e privação a que estavam submetidos.  Conseguir os ingredientes para esse lanche aparentemente frugal é uma batalha muito custosa, quase impossível.  Farinha de trigo não existe há tempos o açúcar, o mel e a manteiga, racionados.  Mas ele se sente obrigado a atender à necessidade materna a qualquer custo e não desiste, enquanto tenta por seus parcos meios entender a guerra e os conflitos que atingem sua pequena comunidade.

 

Impossível assistir a um filme sem lembrar do outro, pela similaridade da situação que sustenta a história.  E também pelos atores mirins que os protagonizam.  Ambos muito verdadeiros nos seus desempenhos.  Sem excessos, muito bem trabalhados.  Eu vi agora “Uma Infância Alemã” e tinha visto “O Bolo do Presidente” em outubro passado (não o revi agora).  Mas as tramas são mesmo muito similares, nem o tempo decorrido me fez deixar de notar isso.

 

Não é um demérito para nenhum dos filmes, que têm outros aspectos a destacar também.  Por exemplo, “O Bolo do Presidente” nos mostra o Iraque visto de dentro, pelos artistas do país, o que diferencia a visão que temos do contexto opressivo interno.  E nos acrescenta informações complementares importantes.

 

“Uma Infância Alemã” tem uma pegada mais artística, sequências cuidadosamente concebidas, ainda que nem sempre compondo um todo orgânico, mas muito bonitas de se apreciar.  Conta com uma fotografia reluzente e bela. 

 

Se as histórias são parecidas, a forma de contá-las é diferente.  Vale conferir.

 

 

 

NOVO ALMODÓVAR

 Antonio Carlos Egypto

NATAL AMARGO (Amarga Navidad).  Espanha, 2026.  Escrito e dirigido por Pedro Almodóvar.  Elenco: Bárbara Lennie, Leonardo Sbragalia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Rossy de Palma.  111 min.

 

Quando chega ao circuito um novo filme de Pedro Almodóvar, quem gosta de cinema corre para ver.  Não é para menos.  Ele é hoje um dos mais criativos e luminosos cineastas do nosso tempo.  Um tremendo contador de histórias, que brotam por todo lado, a ponto de ele usar uma dentro da outra, uma comentando outra, ou simplesmente, pondo os personagens a contar outras histórias dentro do filme.

 

Isso vem ao caso porque em “Natal Amargo” trata-se mesmo de duas histórias paralelas, em que uma pode estar dentro da outra, ou sendo contada por uma personagem da outra.  Mas há ainda uma terceira história: um cineasta com bloqueio criativo (outro tema que Almodóvar gosta de explorar) escrevendo sobre elas e se baseando na própria experiência com uma das supostas personagens.

 

Enquanto o filme se desenrola, percebemos que as histórias não estão bem contadas, há lapsos, personagens que aparecem tarde, enquanto um outro praticamente some.  Enfim, a impressão é de que a coisa não estava bem.  E realmente não estava bem.  Por que?  Porque o que estávamos assistindo era a construção de um roteiro que estava sendo feito pelo cineasta em crise.  Genial, não é?  Ver um roteiro, uma trama, se desenvolver enquanto está sendo escrita. 

 

Como sempre, o cinema de Almodóvar está metalinguisticamente dentro do seu cinema.  Além da ficção que se nutre, inevitavelmente, de realidade, de parte dela, ou em que as coisas se confundem.  Isso está acontecendo, está sendo filmado, ou está sendo imaginado, sonhado?  Na verdade, tudo é cinema da mesma forma.

 

No entanto, a questão ética é muito importante.  É possível transformar os momentos mais íntimos da vida de alguém em personagem identificável?  Isso está no centro do conflito, seja por intencionalidade ou, mesmo, por caminhos inconscientes.  E, óbvio, tem de ser discutido.

 

Em algum momento, aparece o chamado cinema cult, definido como aquele que não alcançou o interesse do público, fracassou, mas continuou sendo curtido por um grupo menor de espectadores.  Se alguém consegue ao menos ser cult, por que iria para a publicidade?  Por dinheiro, ora.  Por que mais?  

 

Um sempre caprichoso cenário, cultivado em detalhes, e um elenco afiadíssimo garantem o espetáculo, tanto pelo lado do drama quanto pelo lado do riso.  E sem música marcante o cinema de Almodóvar não ficaria completo.  Aqui, até mesmo uma única música pode mudar o rumo de um personagem.

 

Há sempre tanto o que ver, o que curtir, em cada filme de Pedro Almodóvar.  Vá ver.  Se você gosta de coisas inteligentes e provocadoras feitas com talento, você não vai se arrepender.

PRIMAVERA E ERUPÇÃO

Antonio Carlos Egypto

 

SEIS DIAS NAQUELA PRIMAVERA (Six jours,ce printemps là), é uma coprodução de Luxemburgo, Bélgica e França, de 2025, dirigida por Joachim Lafosse.  Uma situação de drama familiar, envolvendo o direito dos netos a frequentar uma casa de praia do avô paterno, negada à mãe divorciada com quem eles vivem.  Essa família, ainda assim, vai ao local secretamente e levando o novo namorado dessa mãe.  Um detalhe, a família é negra e o namorado, branco.  O que supõe algum tipo de problema que, no entanto, é sugerido, mas não é explicitado.  Aliás, todo o clima do filme é soft.  Há uma tensão suave no ar e nada de mais intenso acontece.  Um bom filme, que não chega a empolgar. No elenco Eye Haidara, Jules Waringo, Emmanuelle Davos, Damien Bonnard.  92 min.

 

ERUPCJA, ou seja, Erupção, filme polonês de 2025, é uma curiosa história de amor e amizade, que envolve duas mulheres que se encontram de forma   bissexta, mas, quando acontece, uma espécie de magia se estabelece.  Ambas se sentem atraídas uma pela outra de forma muito intensa, mesmo que cada uma delas esteja em novos contatos amorosos.  No caso, Bethany (Charli XCX) com o namorado Rob (Will Madden), que planeja pedir sua mão em casamento em Varsóvia, e Nel (Lena Göra) com sua parceira Ula (Agata Trzebuchowska). A marca dos encontros entre Bethany e Nel é única: sempre que se reveem há um vulcão em erupção.  A metáfora é óbvia, a relação delas demora a acontecer, mas se manifesta de forma eruptiva, vulcânica.  Como as relações vigentes se modificarão nesse contexto?  Será uma erupção passageira, como acontece com os vulcões?  A trama é interessante, o elenco é bom. O destaque é a vencedora de três Grammy musicais Charli XCX, uma estrela pop de quem nunca tinha ouvido falar, mas que se mostra bem como atriz.  Na verdade, o que mais me interessou no filme foi a forma como o diretor Pete Ohs mostra Varsóvia, com muitas tomadas altas, revelando uma bela cidade urbana contemporânea.  E a curta duração (71 minutos), suficiente para explorar a situação, sem tomar tanto tempo do espectador, como tem sido comum nos últimos tempos.

100 ESSENCIAIS

Antonio Carlos Egypto

 

A ABRACCINE – Associação Brasileira de Críticos de Cinema – composta por mais de 180 críticos de todo o Brasil, completa 15 anos de existência.  Há 10 anos atrás, entre suas publicações, destacou-se aquela referente aos 100 filmes brasileiros mais importantes de todos os tempos, formada pela votação em que todos nós participamos, após uma discussão prévia na entidade.

 

Agora, chegou a hora de revisar essa lista e com novos debates, curso e votação, chegamos a uma nova relação de 100 filmes essenciais do cinema brasileiro. 

 

Essa lista de mais votados será apresentada agora sem ranqueamento, em ordem cronológica de produção.  Cada um desses filmes receberá um novo texto crítico, num livro a ser lançado no final do ano, pela editora Letramento, organizado por Ivonete Pinto, Danilo Fantinel e Paulo Henrique Silva.  Confira a lista abaixo:

 

Limite (1931), Mário Peixoto

Ganga bruta (1933), Humberto Mauro

O ébrio (1946), Gilda de Abreu

Também somos irmãos (1949), José Carlos Burle

Carnaval Atlântida (1952), José Carlos Burle

O cangaceiro (1953), Lima Barreto

Rio, 40 graus (1955), Nelson Pereira dos Santos

Rio, zona norte (1957), Nelson Pereira dos Santos

O grande momento (1958), Roberto Santos

O homem do Sputnik (1959), Carlos Manga

Aruanda (1960), Linduarte Noronha

O assalto ao trem pagador (1962), Roberto Farias

O pagador de promessas (1962), Anselmo Duarte

Os cafajestes (1962), Ruy Guerra

Porto das caixas (1962), Paulo Cezar Saraceni

Vidas secas (1963), Nelson Pereira dos Santos

À meia noite levarei sua alma (1964), José Mojica Marins

A velha a fiar (1964), Humberto Mauro

Deus e o diabo na terra do sol (1964), Glauber Rocha

Noite vazia (1964), Walter Hugo Khouri

Os fuzis (1964), Ruy Guerra

A falecida (1965), Leon Hirszman

A hora e vez de Augusto Matraga (1965), Roberto Santos

São Paulo Sociedade Anônima (1965), Luiz Sergio Person

A entrevista (1966), Helena Solberg

O padre e a moça (1966), Joaquim Pedro de Andrade

Todas as mulheres do mundo (1966), Domingos de Oliveira

A margem (1967), Ozualdo Candeias

Esta noite encarnarei no teu cadáver (1967), José Mojica Marins

O caso dos irmãos Naves (1967), Luiz Sergio Person

O menino e o vento (1967), Carlos Hugo Christensen

Terra em transe (1967), Glauber Rocha

O bandido da luz vermelha (1968), Rogério Sganzerla

A mulher de todos (1969), Rogério Sganzerla

Macunaíma (1969), Joaquim Pedro de Andrade

Matou a família e foi ao cinema (1969), Julio Bressane

O dragão da maldade contra o santo guerreiro (1969), Glauber Rocha

O despertar da besta (Ritual dos sádicos) (1970), José Mojica Marins

Sem essa aranha (1970), Rogério Sganzerla

Um é pouco, dois é bom (1970), Odilon Lopez

Bang bang (1971), Andrea Tonacci

S. Bernardo (1972), Leon Hirszman

Toda nudez será castigada (1972), Arnaldo Jabor

Alma no olho (1973), Zózimo Bulbul

Compasso de espera (1973), Antunes Filho

Os homens que eu tive (1973), Tereza Trautman

A rainha diaba (1974), Antonio Carlos da Fontoura

Iracema, uma transa amazônica (1975), Jorge Bodanzky e Orlando Senna

Dona flor e seus dois maridos (1976), Bruno Barreto

Lúcio Flávio, o passageiro da agonia (1977), Hector Babenco

Mar de rosas (1977), Ana Carolina

A lira do delírio (1978), Walter Lima Jr.

Tudo bem (1978), Arnaldo Jabor

A mulher que inventou o amor (1980), Jean Garrett

Bye bye brasil (1980), Carlos Diegues

O homem que virou suco (1980), João Batista de Andrade

Pixote, a lei do mais fraco (1980), Hector Babenco

Eles não usam black-tie (1981), Leon Hirszman

Os saltimbancos trapalhões (1981), J.B. Tanko

Das tripas coração (1982), Ana Carolina

Pra frente brasil (1982), Roberto Farias

Onda nova (1983), Ícaro Martins e José Antonio Garcia

Amor maldito (1984), Adélia Sampaio

Cabra marcado para morrer (1984), Eduardo Coutinho

Memórias do cárcere (1984), Nelson Pereira dos Santos

A hora da estrela (1985), Suzana Amaral

A marvada carne (1985), André Klotzel

Filme demência (1986), Carlos Reichenbach

Ilha das flores (1989), Jorge Furtado

Que bom te ver viva (1989), Lúcia Murat

Superoutro (1989), Edgard Navarro

Alma corsária (1993), Carlos Reichenbach

Carlota Joaquina, princesa do Brazil (1995), Carla Camurati

Terra estrangeira (1995), Daniela Thomas e Walter Salles

Baile perfumado (1996), Lírio Ferreira e Paulo Caldas

Central do brasil (1998), Walter Salles

O auto da compadecida (2000), Guel Arraes

Bicho de sete cabeças (2001), Laís Bodanzky

Lavoura arcaica (2001), Luiz Fernando Carvalho

Cidade de Deus (2002), Fernando Meirelles e Kátia Lund

Edifício Master (2002), Eduardo Coutinho

Madame Satã (2002), Karim Aïnouz

Cinema aspirinas e urubus (2005), Marcelo Gomes

O céu de Suely (2006), Karim Aïnouz

Serras da desordem (2006), Andrea Tonacci

Jogo de cena (2007), Eduardo Coutinho

Saneamento básico, o filme (2007), Jorge Furtado

Santiago (2007), João Moreira Salles

Trabalhar cansa (2011), Juliana Rojas e Marco Dutra

O som ao redor (2012), Kleber Mendonça Filho

O menino e o mundo (2013), Alê Abreu

Branco sai, preto fica (2014), Adirley Queirós

Que horas ela volta? (2015), Anna Muylaert

Aquarius (2016), Kleber Mendonça Filho

Arábia (2017), Affonso Uchoa, João Dumans

As boas maneiras (2017), Juliana Rojas e Marco Dutra

Marte um (2022), Gabriel Martins

Mato seco em chamas (2022), Adirley Queirós e Joana Pimenta

Ainda estou aqui (2024), Walter Salles

O agente secreto (2025), Kleber Mendonça Filho

 

 

SURDA

 

   Antonio Carlos Egypto

 

 SURDA (Sorda).  Espanha, 2025.  Direção e roteiro: Eva Libertad.  Elenco: Miriam Garlo, Álvaro Cervantes, Elena Irureta, Joaquín Notario.  100 min.

 

“Surda”, produção espanhola, coloca como o próprio nome do filme evidencia, a questão da surdez em destaque.  O filme é escrito e dirigido por Eva Libertad, que é irmã da atriz principal, Miriam Garlo.  O papel da protagonista, que é mesmo surda, mostrou um desempenho extraordinário, reconhecido pelo prêmio Goya, o Oscar espanhol, e também no festival de Berlim e no prêmio Latino.  O ator Álvaro Cervantes, ouvinte como seu personagem no filme, também foi premiado por sua ótima atuação.

 

A trama ficcional de “Surda” mostra um casal: Ângela (Miriam Garlo), surda, e Hector (Álvaro Cervantes), ouvinte.  Eles vivem bem e amorosamente com as naturais dificuldades de comunicação, bem resolvidas pelo empenho e dedicação de Hector.  Há os amigos e parentes que também convivem bem com isso.  A questão começa a se colocar de forma mais crítica quando Ângela engravida.  A primeira pergunta que se coloca: a criança será ouvinte ou surda?  Não há uma resposta imediata, ela se dará no nascimento. 

 

E como Ângela será como mãe?  Antes disso, como se fará o parto normal recomendado ao caso?  O som tem um peso enorme nisso tudo.  O filme, por sinal, é absolutamente brilhante no tratamento de som, tudo é destacado e apurado com legendas descritivas detalhadas na tela para os espectadores com deficiências auditivas.

 

Uma sequência magnífica nos mostra o que Ângela, no seu mundo silencioso, está vivenciando e sentindo, enquanto as ações se sucedem.  Tecnicamente perfeito o trabalho, que nos permite fazer empatia com a personagem e entendê-la a fundo.

 

O fato é que conflitos serão inevitáveis, porque a questão nem é a de possibilidades de entendimento por boa vontade pessoal.  O mundo é todo moldado para existir no som, na fala, no diálogo, nas discussões e decisões verbalizadas.  Os sons também nos alertam, nos envolvem, nos direcionam.  Possibilitam uma autonomia que é bem mais difícil para as pessoas com deficiências auditivas.  O que se complica ainda mais na condição de mãe.

 

A maternidade será um grande desafio para Ângela, para seu parceiro, para sua família e, é claro, para os cuidados e para a educação do bebê. Tudo se desorganiza mais com a maternidade e as comunicações se tornam uma batalha a ser vencida diariamente.  As emoções se põem à flor da pele.

 

O filme mostra isso com clareza, com sensibilidade e expressão emocional muito valorizada pelo excelente elenco que compõe “Surda”.  A também premiada diretora Eva Libertad mostra grande competência nesse trabalho que a revela ao público internacional.